Nutida konst

Ett fördjupningsarbete inom konsten under 1900-talet

Utfört av elever på estetprogrammet bild, dans, drama och musik.

Brogårdsgymnasiet i Kristinehamn Läsåret 2008-2009

Lars Winnerbäck – en protestsångare.. 3
Jens Assur – Fotograf. 5
Vad är klassisk balett?. 7
Smycken.. 9
Vampyrer och Anne Rice.. 11
Megadeth.. 13
Underground musik. 15
Om propaganda.. 19
Pablo Picasso och kubismen.. 21
Kazuraav. 23
Manga.. 24
Nutidakonst Metal Artwork och konst. 25
Frijazz och improvisationen.. 26
Opeth.. 28
Wassily Kandinsky. 30
Popkonsten och Roy Lichtenstein.. 32
Surrealism… 35
MY FAIR LADY.. 37
THE SIMS.. 38
Andy Warhol 41
Graffiti 43
Om Modern dans. 48
Happenings och performance.. 50
Tatueringskonst. 51
Manga.. 53
Johnny Depp.. 55
Glaskonst. 57
Afrikansk konst. 60
Ljusdesign.. 62
KISS.. 63
Sex Pistols. 65
Astrid Lindgren.. 67
Den elektroniska musiken/Synthkulturen.. 70
Marilyn Monroe och hur hon gestaltas i konsten.. 72
Streetdance.. 74

Lars Winnerbäck – en protestsångare

Av Marie Rådesson Es3a

Lars Winnerbäck föddes i oktober 1975. Han växte upp i Vidingsjö i Linköping och även om han sedan över ett decennium vandrat samma gator som skildrats av både Taube och Bellman, Stockholms gator, så är det fortfarande samma tätort på samma slätt (Linköping) som återkommer i hans egna texter och kanske är den enda ambitionen fortfarande att få brudarna från Berga att skratta eller gråta.
Från fyran till nian gick Lasse i en musikklass som var överrepresenterad av kristen höger från kommunens finare områden och enligt Winnerbäck var Linköping en korrumperad stad där maffian hette Filadelfiakyrkan, det var inget han som tioåring funderade på men han har insett det senare. Men i det påståendet ser jag en likhet med hans texter idag och redan i hans allra första texter från ca 8 års ålder som kunde handla om det svåra med att vara liten och inte få bestämma själv, om skolfröknars tyranni. Den likheten tror jag beror på att det som drev honom redan då fortfarande är det centrala i hans textförfattande, nämligen frustration.
Sommaren -91 på de varma klipporna utanför Strömstad framstår för mig som viktig för Lasse. Hemma fanns biljetterna till Guns’n’Roses och på blandbanden på bergsprängaren fanns bl.a. Black Sabbath, Jakob Hellman, Tom Petty, Kiss, Springsteen, Gyllene Tider och Ebba Grön. Plötsligt framstod hela livet som rättvist, allt smakade liv, liv, liv och han kände behovet av penna, papper, gitarr och av att tacka livet. Det skulle bli ännu en sommar i Strömstad, då med hans tjej och stora kärlek som ofta förekommer i hans texter under täcknamnet Hjärter dam. ”Du var sjutton jag var sexton och jag skolkade från allt, jag ville bara va’ med dig” sjunger Lasse i Hjärter dams sista sång och kanske var det där, kanske var det redan tidigare som han omedvetet såg till att han bara hade musiken att falla tillbaka på.
Flera av Lasses låtar tillskrivs också en annan tjej som går under täcknamnet Fröken svår. Genom hennes livsöden skildrar och kritiserar Lasses deras omvärld. När Fröken svår avslutat sitt andra år på universitetet skriver Winnerbäck ”Mamma är säkert nöjd” om hur bra allt fungerar i praktiken och om vikten av att vara mammas duktiga lilla flicka och att aldrig göra henne besviken…
Tillsammans med Anders Johansson (ena halvan av Anders & Måns), Tomas Öhman och Staffan Palmberg hade Winnerbäck sedan –88 punkbandet Snoddas, de gick in i en seriösare fas –92 och redan året därpå spelade de på Hultsfredsfestivalen. Bandet splittrades efter några utgivna demos då medlemmarna musikaliskt drog åt olika håll men de är fortfarande Lasses närmaste vänner. Nu följde en termin på folkhögskola med djupa samtal, rödvin, nylonsträngade gitarrer, och ett frosseri i Cornelis och Fred Åkerström, vilket ju för med sig Bellman.
På en inflyttningsfest –96 började det spånas kring ett skivbolag och i maj kunde bolaget Elvira stolt plocka fram fem hundra ex. av den poesiinspirerade debutskivan Dans Med svåra steg. Samma år flyttade Lasse in i en kompis trea i Fruängen I Stockholm. Flytten till Stockholm var viktig för honom och har gett upphov till låtar som tyder på att den väckt känslor på både gott och ont, bl.a. Stockholms kyss om hur staden lockat och gett honom kraft men också Rusningstrafik som kritiserar hur kapitalismens sliter i oss, belyser våran ensamhet mitt i rusningen och berättar om hur skönt det är att låta fötterna ströva fritt utan inflytande från infrastruktur.
Tydligast blir Winnerbäcks samhällskritiska sida i den närmast provocerande Balladen om konsekvenser som hämtat sin titel från samma tradition som vi kan se hos både Cornelis och Ruben Nilsson. Här använder han sig av det tryggaste vi har, nämligen våra barndomshjältar, Pippi, Ronja och Rasmus på Luffen för att ifrågasätta samhällets svartvita syn på människor och på att blint förlita sig på lag och psykoanalysers ofelbarhet och till sist uppmana oss att inte acceptera detta. Här är budskapet tydligt och sångens enda mål men i andra texter kommer samhällskritiken bara fram i vissa rader. Det får sin förklaring i hur Lars beskriver sitt sätt att bygga texter, de allra första låtarna upplevde han inte skrivna, bara påhittade utan ambition att vara mångbottnade. Såhär beskriver han det sättet att skriva i förhållande till hur han gör idag. ”Jag önskar att sånger kunde hända på det sättet fortfarande, att de bara trängde sig fram, men det gör de inte. För många lager att ta sig igenom nu antar jag. Nu får jag skriva dem av fragment, hitta trådar som går in i varandra, använda känslor som bara kan fångas i korta rader.” Därför kan man idag hitta textrader som, ”Parkeringshus byggdes, ett litet steg för människan ett stort steg för betongen och den rotlösa känslan”, ”Sömntabletter tycks va effektivare än sängar”, eller ”För vem kan förklara att vapen är skitiga, fula små saker
när leksaksaffären är full med soldater?” i låtar som i övrigt tycks ha för avsikt att fånga och föreviga känslor.
Det har inte blivit särskilt många intervjuer för Lasse genom åren, dels föra att han själv tycker att han inte behärskar det men också för att han satt en heder i att klara sig utan tidningar, TV och Radio. Det visade han verkligen att han kan när han bestämde sig för att inte ge några intervjuer inför albumet, Söndermarken. Det tidigare albumet Singel hade gått så bra att han tyckte att han kunde kosta på sig ett kliv tillbaka men istället kom det stora genombrottet med just det albumet. Men det där med att inte behärska och att inte kunna bära upp situationer det är en känsla och en tanke som tycks följa Lasse, allt har blivit så stort och han kan känna att det sprungit om honom. Bara att välja skjorta till en spelning blir svårt, ”det finns ingen skjorta som är bra nog till åttatusen pers”. Som det sjuttiotalsbarn från Linköping han är så är han fostrad till att tycka att alla ska ha det lika och ingen ska vara förmer. För nu när ”Lasseliten blivit stor”, så är det ändå som duettpartnern Miss Li uttryckte det:
”Han har något ovanför ögonen som säger, jag är inte värd detta, men det är han verkligen.”

Jens Assur – Fotograf

Kristin Strömgren Es3b

Jens Assur är en av Skandinaviens främsta fotograf och regissör. Han är även medarbetare vid ledande skandinaviska och internationella tidningar.
Under 1990-1997 var han anställd som fotograf hos Expressen och sedan hos den ledande dagliga nyhetstidningen i Skandinavien. Under alla sina 7 år hos expressen producerade han omfattande foto essäer som avbildar olika aspekter i livet i nära hundra olika länder. Hans arbete fick mycket beundran och han fick ett antal fotograf- och journalist priser, som till exempel årets fotograf vid 23 års ålder. Han lämnade tidningen år 1997 för att starta Studio Jens Assur vilket är en fotostudio som arbetar med visuella intryck om världen och det vardagliga livet vi skapar till oss själva. Han menar att det bästa sättet att göra ett intryck är att berätta en historia. Men det som är viktigt i dessa historier är hur mycket intrycken påverkar människor. De skapar t.ex. Debatter, intresse, kunskap, leenden, tårar och intresse.

Samma år började han också sitt fotografiska projekt, Och himlen där ovan, som var klar år 2001. Det är det största sådant projekt i skandinavisk historia. Projektet består av två böcker på 256 sidor vardera och en utställning med 70 fotografier. Vid flera av utställningarna uppnådde det besöksrekord.
År 2006 släppte han sin första film, Den sista hunden i Rwanda, som avbildar folkmordet som ägde rum år 1994. Filmen är inspelad i Sydafrika och Sverige. Två av Sveriges mest hyllade skådespelare, Reine Brynolfsson och Jonas Karlsson, spelade huvudkaraktärerna.

Jens Assur såg år 2006 som ett comeback år i fotobranschen efter att ha haft ett uppehåll under tre år. Han startade ett projekt som han kallade This is my time, this is my life där han var på olika fester i Stockholms innerstad och fotograferade. Har de unga i Stockholm mer gemensamt med de unga i New York än vad de har med resten av ungdomarna i deras eget land? Om samma typ av bilder var tagna i Istanbul, skulle någon se skillnaden? Dessa är några frågor

som Jens och hans medarbetare ställer sig.

På dessa fester i Stockholms innerstad möttes han bland annat av människor som minglade, samtalade och sprutande skumpa. Samtidigt som han arbetade med det här projektet hade han ett annat projekt i Kongo-Kinshasa och Sudan. I Kongo-Kinshasa och Sudan möttes han, istället för sprutande skumpa, av människor som var tvungna att gå i fyra timmar för att kunna hämta dricksvatten till sina familjer, som egentligen inte är dricksvänligt. Dom unga i Stockholm lever ett rikt och aktivt liv och det gör folket i Sudan också, kanske inte rikt men aktivt. De lever under helt andra omständigheter och levnadsförhållanden. I Stockholm kan man köpa champagne för ca 115 000 kr under en kväll även om man inte orkar dricka upp allt. Istället för att dricka sig överfull på champagne så sprutar man ut den, slösar. Jens egen åsikt om detta är att det ses som ett hån mot dem som inte ens har tillgång till rent dricksvatten. Då undrar man ju varför dessa människor spenderar så mycket pengar på inget? Jag tror att de vill visa sin rikedom. De stoltserar med sina pengar vilket gör att de får högre status i deras sociala kretsar.

Genom att Jens arbetar med dessa två projekt samtidigt skildrar han den stora klyftan i dagens samhälle. Medan folk sprutar skumpa i Stockholms innerstad så dör folk av svält eller av törst i Kongo-Kinshasa och Sudan. Med sina extremt gripande bilder vill Jens upplysa allmänheten om en annan verklighet som vi inte lever i.

Vad är klassisk balett?

Av Sofia Thomsen Es3a
Klassisk balett är den sceniska dansform som har den äldsta traditionen. Tekniska regler för klassisk balett sammanställdes för första gången 1661 av den Franska Dansakademien Academie Royale de Danse. Tills i början av 1900-talet var klassisk balett den enda sceniska danskonsten. Dansrevolutionen uppstod med Isadora Duncans fridans, följt av Rudolf Laban som sammanförde klassisk balett och fridans.
Jag själv tror mycket på att klassisk balett likaväl som alla andra stilar och tekniker behövs även idag. Olika stilar och skolor inte bara kompletterar utan ger näring till varandra. Uttryckssättet förändras hela tiden och det tillkommer nya riktningar. Hela denna utveckling berikar både danskonsten men även hela stora konsten. Låt oss återgå till den klassiska baletten, kan man föreställa sig dagens dansvärld utan klassisk balett överhuvudtaget? Eller kan man utbilda dagens dansare utan klassisk balettundervisning? Definitivt inte, eftersom klassisk balett spelar en sådan avgörande roll.
Isadora Duncans idéer gav stor inspiration till många dansare och koreografer, bl.a. Martha Graham, som också var från USA. Hon utvecklade ett nytt danssystem på 1930- och 1940-talen, som var grundade på Duncans idéer. Hennes teknik var en rak motsats till den klassiska balettens teknik. Kantiga, vridna rörelser, fall, rörelser på golvet – ungefär så såg det ut. ”Dans är själens dolda sång”, sade hon en gång. Hon väckte intresse för fridans i hela världen genom att bilda ett danskompani och starta en skola. De flesta av stora fridanskoreograferna har influerats av hennes system. Här kommer ett av hennes citat: ”Allt som betyder något är det här ögonblicket i rörelsen. Gör ögonblicket viktigt, avgörande, och värt att leva. Låt det inte glida iväg omärkbart och oanvänt.”

Hur startade egentligen balettkonsten?
Dans av rituell karaktär har förekommit i alla kulturer så länge människan funnits på jorden. Allt eftersom århundradena gick förfinades danskonsten på olika sätt i olika kulturer och vid de medeltida hoven i Europa hade den strängt regelbundna sällskapsdansen en viktig social funktion. Till stor del var den balett som dansades fram till 1600-talet relativt improviserad, men i mitten av seklet började man skapa ordning i dansandet. 1661 instiftades den franska Dansakademien och man fastställde bl.a. Fem elementära positioner (kroppens och fötternas ställning) som än idag ligger till grund för all balettundervisning. Numera kallar vi 1700-talets danskonst för stildans är det den danskonst som växte fram på 1800-talet som idag går under benämningen klassisk balett. Den skira korta tyllkostym som blivit en sinnebild för den klassiska baletten lanserades på 1830-talet i Paris av den svenskfödda ballerinan Marie Taglioni.

Balett – inte bara dans
Baletten är liksom operan en sammansmältning av många konstformer – dans, teater, musik, måleri, arkitektur och klädskapande. Nästan allt det som nämns om operan på denna hemsida under rubriken ”Om opera” och de många konstnärliga hantverk som ligger bakom operaverksamheten, gäller naturligtvis i lika hög grad för balett, med skillnaden att regissören kallas koreograf och att det mera sällan sjungs i baletter. Balett är den harmoniska och mjuka dansen som troligtvist är en av de mest ansträngande och svåraste danserna som finns. Det krävs både mycket tålamod och disciplin. Vacker att skåda men svår att utföra. I balett, till skillnad från modern balett, finns bestämda regler för hur du ska utföra dansen. Baletten är grunden till alla andra danser i stort sett, som konståkning, latinamerikansk dans (salsa, samba etc.)

Smycken

Av Emma Johansson Es3a
Jag har valt att skriva om smycken. Ordet smycke för genast mina tankar till ett vackert berlock halsband, ni vet ett sådant som ens mormor har. En silverkedja med en blå ädelsten. Det för även mina tankar till piercade tungor och läppar. Så redan innan jag hunnit skriva en mening inser jag att smycken är en mycket bred kategori konst.

De olika primära smyckegrupperna är: halsband, armband, klockor, ringar, piercingar (inkluderar örhängen), medaljer och broscher. De första kända smycken härstammar så långt tillbaka som till 75 000 år före Kristus. Men mig skulle det inte förvåna om smycken kom till vid samma tid som vi lärde os göra redskap. Nästan alla smycken man funnit från den här tiden är gravgods och dessa har hjälpt forskare att förstå människor i vår tidiga historia väldigt mycket. Smycken har haft många olika användningar genom tiderna. Man tror att de första mest var till av praktiska skäl. T.ex. att pinna ihop kläder, förvara värdefulla material och stenar. Med tiden fick de också användningar som att visa social status, som skydd mot otur/olycka/hat, för att bringa tur/kärlek/lycka, för att visa vilket samhällsskikt man tillhör, religiös tillhörighet, symbol för medlemskap, konstnärlig uppvisning etc.

På Wikipedia beskrivs smycken som ”prydnader i syfte att smycka kroppen” och det är nog den bästa beskrivningen jag hört. Alla kulturer har haft sina egna traditioner angående smycken. Smycken finns i alla möjliga former och material. Långa korta, stora små, de som förändrar kroppen de som bara hängs på, de finns i trä, diamanter sten, guld. Ja you name it. Det har redan från den allra tidigaste början funnits fattigmans smycken och rikemans smycken. De gamla grekerna var faktiskt först med att göra kopior av dyra smycken, ”märkes smycken”, och sälja dem billigt. De gjorde kopiorna i lera och om man tittar på hur mycket det har utvecklats sen dess är det faktiskt rätt otroligt. Om man T.ex. kollar på de falska Rolex klockorna idag så kan man nästan inte se skillnad. Det krävs experter, och inget ont om de gamla grekerna men de hade inte de resurser vi har idag. De gamla egyptierna var först med att skapa glasreliker till ädelstenar. De gjorde det dock inte pga. av priset som man gör idag utan de gillade helt enkelt färgerna de kunde skapa i glaset bättre.
Spridningen av olika kulturers smycken tog fart med handelsutbyten och upptäcktsfärder i stil med Christoffer Columbus resa till den nya världen. Under upplysningen, när religionens hårda grepp om världen lättade accepterades smycken mer och mer. Smyckekonsten delades upp i två termer; Bijouteriers som är juvelerare som arbetar i billigare material och Joailliers som arbetar i dyrare material. Den här uppdelningen finns kvar än idag.
Den kanske största händelsen i smyckets historia är industriella revolutionen som förde med sig ett nytt sätt att leva och en växande medelklass som mer och mer har råd att pryda sig med smycken. Nu kunde man börja tillverka fabriksgjorda smycken och på så vis nå ut till en mycket större massa. Innan den industriella revolutionen var alla smycken handgjorda. På 1700 – talet infördes t.o.m. en lag som kallades ”Överflödslagen” och den avgjorde vilka smycken man fick bära och detta bestämdes då beroende på samhällsklass och status. Idag har vi ju ingen sådan låg men man kan ju påstå att det råder tabun än idag, tänk om en överklassdam gick på sin fina middag i nithalsband, det skulle knappas gå obemärkt förbi.
Ett av de företag som haft mest inflytande på vår tids smycken är ”Tiffany’s & co” som startades 1837 i USA. De har ända sedan dess varit med och satt trenderna för USA:s smycken, och som vi alla vet har USA stor betydelse för kulturen runt om i världen. Smycken som skapats efter 1940 refereras till som moderna smycken även om modet ändras lika snabbt som årstiderna. Så här på senare tid har smycken använts mer och mer för att uttrycka inte bara allting ovanstående utan även vilken personlighet har och vilken subkultur man tillhör. Och om man tänker efter så används smycken verkligen till mer och mer över huvudtaget. T.ex. så använder sjukhus armband för att kunna skilja patienter åt, och det är väl det smycken i slutändan gör. Skiljer oss åt. Jag menar punkare bär nitar, hip hopare bär vad sedan The B.G.s låt ”BLING BLING” 1999 kallas för bling bling, hippies bär Peace märken etc. Det finns godishalsband, halsband med berlocker fyllda med parfym, ja smycken finns i miljoner olika variationer och används i miljoner olika syften. De finns i hundratals olika material och jag måste erkänna att jag tycker det känns lite underligt att en Rolex klocka och ett par örhängen i trä ska in under samma kategori men så är det.
Jag skulle slutligen vilja säga att smycken i alla dess former är konst, allt från en fabriksgjord Pippi Långstrumps klocka till ett handgjort halsband i diamanter.

Vampyrer och Anne Rice

Av Ann Boström Es3a

Jag är väldigt fascinerad av vampyrer och dess natur. Jag fastnade speciellt för Anne Rices vampyrvärld. Många författare har olika uppfattningar om hur vampyrvärlden ser ut.

Jag har haft tid på mig med att arbeta med presentationen men jag har fokuserat allt för mycket på Anne Rice utan vidare resultat. Nu på senaste tiden har jag fokuserat mer på vampyrer i allmänhet. Jag tror att det var för att jag kände att vampyrer och konst inte har så mycket gemensamt. Men vampyrer är fantasi, man skapar fantasi och allt man kan skapa är konst enligt mig.

Kortfattat om vad en vampyr är:

En vampyr är enligt myterna en varelse som en gång varit människa men som nu är död och går igen.

Vampyrer har inget blod själva och de kräver det, så de dricker blod från människor och djur. Ofta dör offret. När de inte har något blod i sig är de bleka.

De har extra långa tänder för att effektivisera drickandet. Eller rättare sagt att göra hål i huden på offret så att de kan dricka blodet som kommer ut.
De är väldigt känsliga för solljus. De brinner upp eller får svåra brännskador i de flesta av historierna men det finns undantag beroende på författare. Under dagarna sover de i kistor för att undvika att de träffas av solen.
De har en enorm styrka och är jättesnabba. Vissa vampyrer kan hypnotisera och läsa andras tankar. Det finns även de som har andra krafter.

De som vill döda/skydda sig från en vampyr kan ha hjälp av:

Vitlök som håller vampyren på avstånd.

Vigvatten för det bränner på dess skinn.

Silver gör skada, ofta brukar de som vill skydda sig ha silversmycken på sig. Silvret bränner typ.

Eld i tillräckligt stor mängd gör att de brinner upp och dör.

Och till sist en träpåle som man ska spetsa vampyrens hjärta med. Det är det kändaste sättet att döda en vampyr på.

Vampyrer har alltid förföljt människans fantasi. Människan längtar efter odödligheten. Efter det vackra. Efter makten. Vampyrerna har allt detta. De lever på natten och är osynliga. En i mängden. De kan göra vad de vill. Finns inget ansvar att ta. Man finner frihet i det. Försvinna bort in i vampyrböcker för att undvika sin egen verklighet.

1819 kom den första vampyrboken ut. Den heter the Vampyre av John Polidori. Polidori samlade information från bygden om dessa hemska varelser. De var en del av folktron.
1897 kom den bok ut som än idag har den mest kände vampyren – Dracula. Författaren Bram Stoker blev inspirerad att skriva romanen då han fått mardrömmar efter att ha ätit middag med Arminius Vambery som pratade om Vlad Tepes (Vlad III Dracula). Bram kunde inte motstå att använda sig av den onde fursten i sin bok.
1973 skrev Anne Rice klart sin bok En Vampyrs Bekännelser som hon hade börjat skriva efter att hennes 6åriga dotter dött av leukemi. Hon hade alkoholproblem men upptäckte snart att det hjälpte henne mer att skriva om sin dotters död än att dricka. Hon kopplade ihop leukemi till blod, blod till livskraft och resultatet blev vampyrer.
Hennes böcker innehåller mycket känslor och tankar. Allt blir så levande och mystiskt. Man får se hur vampyrerna utvecklar sina egna galenskaper. .

Hennes böcker ger mycket tankeställare om man bara vill se budskapen.

Hur myten om Vampyrer uppkom. Jag hittade en mycket intressant teori. Det var i Böhmen under medeltiden som byar var isolerade. Man var rädda för främlingar och därför blev det inavel. Med inavel kom det deformation.

Det finns även en sjukdom som liknar vampyrers beskrivning. Porfyria gör så att bäraren har en oförmåga att binda hemoglobinet i blodet, det gör så att man ser blek ut; porfyrinet som lagras nära huden är ljuskänslig (vampyrernas rädsla för solljus), och vitlök innehåller enzymer som under vissa omständigheter kan döda dem. Dessutom kan porfyrinet orsaka att tandköttet dras tillbaka så att tänderna ser större ut, och blodtörsten kan komma av bristen på friskt hemoglobin.

Det finns 3 sorters vampyrer enligt källan från wikipedia.

Gentlemannavampyrer så som Dracula.
Vampyrer som plågas av att se sina icke odödliga vänner bli gamla och fula och till sist dö
Och till sist de mer djuriska vampyrerna som bara tänker på att dricka blod

I Anne Rices böcker är det en blandning av dessa 3 sorter. Men det är den sista sorten som dyker upp i skräckfilmer. De kan liknas med zombies i de lägena.

http://sv.wikipedia.org/wiki/Vampyrer

http://www.dn.se/DNet/jsp/polopoly.jsp?d=2204&a=824423

http://web.telia.com/~u56303095/annerice/annrice.html

http://sv.wikipedia.org/wiki/Bram_Stoker

Megadeth

Av Mateo Israelsson

De tidigare åren
1983 blev Dave Mustaine sparkad från Metallica på grund av alkoholproblem. Men efter några månader startade han sitt nya band med gitarristen Greg Handevidt, Basisten David ellefson och trummisen Lee Rausch. 1984 gav Megadeth ut sin första demo med 3 låtar bland annat låten skull beneath the skin som handlar om hur deras maskot Vic rattlehead kom till. Hösten 1984 fick Bandet skivkontrakt med Combat records och då var banduppsättningen sång,gitarr Dave mustaine, gitarr Chris poland, bas David ellefson och på trummor Gar samuelson. maj 1985 släppte Megadeth sitt första album Killing is my business…and business is good! I mars 1986 var Megadeth klara med sitt andra album Peace sells… But who’s buying? Bandet nöjde sig inte med kvalitén på albumet så dom skrev kontrakt för Capitol records och släppte inte ut skivan för ens i november samma år. Året där på gav sig Megadet ut på turné men på en spelning i hawaii blev trummisen Gar Samuelson och gitarristen Chris Poland sparkade från bandet och ersattes av trummisen Chuck Behler och gitarristen Jeff Young. I Mars 1988 släppte Megadeth ut sitt tredje album So far, so good… so what! Som hade stora förutsättningar att bli riktigt bra men Dave hade stora missbruksproblem och bråkade med mixaren som fick avgå till slut.

De stora framgångarna
Efter att Megadeth släppt sitt tredje album blev Young och Behler sparkade 1989 och ersattes av trummisen Nick Menza och gitarristen Marty Friedman. 1990 släpptes Rust in peace som anses av många vara det mest tekniskt sofistikerade och nydanande speed/trash metal albumet genom tiderna. 1990 och 1991 gav sig Megadeth ut på turné med Slayer, Judas priest, Alice in chains, Anthrax m.m . Under den tiden hade olika filmproducenter anlitat Megadeth till att göra musik till filmer bla Go to hell. Juni 1992 Börjades inspelningen av det femte albumet Countdown to exctinction som kom på andra plats på billboards albumlista. I december 1992 gav sig Megadeth ut på en turné till med Pantera och Stone temple pilots ett antal konsert fick dock ställas in pga av Daves drogmissbruk. 1993 turnerade Megadeth med Metallica för första gången på 10 år.

Ny riktning
1994 började inspelningen av Youthanasia i Arizona med Max Norman som producent. Han gjorde skivan mer långsam, kommersiell och större fokus på sången. Modefotografen Richard Avedon vart anställd under inspelningstiden och gjorde så att bandet hade ett mer stilrent utseende. Youthhanasia släptes 1 november, 1994 och vart en stor succé och kom på fjärde plats på Billboard-listan. Samma månad drog Megadeth ut på sin längsta turné med band som Korn, Fear factory m.m. Turnén varade i 11 månader å slutade Brasilien på Monsters of rock med Alice Cooper och Ozzy Osbourne. 1995 släptes singel albumet Hidden treasures som innehåller alla Megadeths låtar som inte funnits mä på skivorna. I september 1996 började inspelningen av Cryptic writings med ”Creative managern” Bud Prager. Albumet släptes juni 1997 och även det albumet vart en stor succé och kom på tioende plats på Billboard-listan. Den sommaren turnerade Megadeth tillsammans med The misfits. 1998 turnerade dom också och deltog i Ozzfest under den turnén slutade Nick Menza på grund av en tumör i knät och ersattes av Jimmy DeGrasso. Albumet Risk släpptes 1999 och producerades av Bud Prager och av Dann Huff. Eftersom Huff fick stor kontroll över hur albumet skulle låta så sålde den dåligt å ogillades av kritiker som fans. För att stödja albumet drog Megadeth ut på turné med bla Iron maiden och under samma turné raporterade Marty Friedman att han ville hoppa av bandet. Och våren året där på fortsatte Megadeth att turnera på Maximum-Rock turnén med Anthrax och Mötley Crüe.

Tillbaka till Trash
I oktober 2000 Avslutade Megadeth sitt kontrakt med Capitol records efter 14 år i och med det så gav skivbolaget tillbaka tigare inspelade låtar i utbyte att Megadeth skulle släppa ett samlingsalbum som hade namnet Capitol punishment: The Megadeth years som var en pik mot skivbolaget. November samma år skrev Megadeth under för skivbolaget Sanctuary Records och året där på slutförde Megadeth albumet The world need a hero som vart mycket uppskattat av fans som kritiker. Bandet turnerade sommaren 2001 med AC/DC, Iced earth och Endo för att stödja albumet, turn´n fick dock ställas in hösten på grund av 11/9 händelsen.
Splittring
I januari 2002 läggs Mustaine in på sjukhus för njursten. I och med att han lades in på sjukhus fick han ett återfall av sitt tidigare drogmissbruk när han morfinbehandlades. Efter sin tid på sjukhus skrev han in sig på ett behandlingshem i Texas men under den tiden fick han en nerv i armen så svårt skadat att han inte kunde spela gitarr, vilket ledde till att han den 3 april 2002 meddelade att Megadeth skulle splittras. Under tiden Mustaine var på behandlingshemmet skrev han material till sitt soloalbum som han skulle började spela in i oktober 2003. Projektet lades dock åt sidan i och med att det åttonde albumet skulle spelas in som vart klart i augusti 2004.
Megadeth uppstår igen
Maj 2004 ville Mustaine dock fortstätta med sitt soloprojekt, men på grund av avtal med skivbolaget EMI var han tvungen att ge ut ett album med namnet Megadeth. 14 september släpptes skivan The system has failed. Bandet fick bra kritik och kom på 18:e plats på billboardlistan. I oktober samma år påbörjade Megadeth en ny värdsurné, turnén hade namnet Blackmail the universe. Sommaren 2005 gjorde Dave mustaine en stor heavy metal-festivalturné som hade namnet Gigantour. Dom turnérade med band som Dream theater, Anthrax, Fear factory, Dilinger escape plan, Nevermore, Life of agony, symphony x, Dry kill logic och Bobaflex. Konserten gavs ut som DVD med namnet That one night live in Buenos Aires I mars 2007. Den maj 2007 släpptes det elfte studio albumet som heter United Abominations. Det albumet vart in stor succé fans som kritiker gillade det albumet mycket och kom albumet kom på åttonde plats på Billboard-listan. Megadeth turnerade på sommaren samma år med det nybildade Heaven and hell.
Genre och teman
Megadeth är ett viktigt band inom trash metal med den tyngre och snabbare varianten av heavy metal som uppkom under 80-talet. Megadeth har gjort mycket musik till filmer och spel. Megadeth räknas till en av trashens fyra stora musikgrupper, tillsammans med Metallica, Slayer och Anthrax. Megadeth visar redan i tidig ålder högt tempo, tekniska färdigheter, avancerade gitarrsolon och även innovativa låtstrukturer.

Underground musik

Av Pontus Fjällman Es3a
Temat jag valde visade sig vara ett väldigt brett sådant, så jag kom att redovisa det genom en ganska lång (men väldigt förkortad) historia genomgång. Själva definitionen på underground kan vara väldigt svår och olika från person till person. Men jag tror Frank Zappa beskrev det bäst när han sa:”Mainstream comes to you, but you have to go to the underground”. Alltså kan man kalla det motsatsen till populär musik. Men problemet är då att termen underground är hur bred som helst, så jag begränsar mig själv till rock och det som är mest relevant inom det.

60-tal
Den enda riktiga startpunkten för detta tema är The Velvet Underground som var aktiva mellan 1966-1971. Bandet byggda på det fyra medlemmarna: Lou Reed (sång, gitarr och låtskrivande), John Cale (piano, bas och fiol) Sterling Morrison (gitarr och ibland bas) och Maureen Tucker (slagverk.) Dom fann sin första succé som husband i Andy Warhols factory. Dom var det enda rock bandet som Warhol ville arbeta tillsammans med och därmed var han producent på deras första album, The Velvet Underground & Nico (1967), tillsammans med supermodellen och nyblivna sångerskan Nico. Albumet var deras, och kanske hela 60-talets, riktiga mästerverk. Inspelningskvaliteten var ganska låg och arrangemangen var simpla och utan många instrument, men kombinationen av Lou Reeds talang att skriva bra låtar om precis vad som helst och John Cales bakgrund i avant-garde musik (speciellt hans experiment med minimalism toner) kom att ge albumet ett djupt anslag hos framtida musiker som sökte att göra musik på egna villkor. Skivan sålde knappt överhuvudtaget men dess influens har fortsatt att växa med åren och idag är dess status omätlig i underground sammanhang.
Dom följde upp skivan med White Light/White Heat (1968), utan Nico. Den var mycket råare och byggde mer pågarage rock och bandets oljudliga tendenser; den 16 minuter långa Sister Ray var albumets kännetecken.
Dom släppte 2 mjukare album, The Velvet Underground (1969) och Loaded (1970), fast utan John Cale som hoppade av. Sen sluta bandet efter brist på framgång (något som däremot Lou Reed fick i sin solo karriär.)
Nästa stora Undergroundscen kom att vara i Detroit 1969. Det två viktiga banden där var MC5 och The Stooges. MC5 var egentligen bara ett vanligt garage band, men snabbare och tajtare än dom andra. The Stooges däremot började som ett oljudsband och växte sen MC5’s ”lillebröder”. Med deras medlemmar, Iggy Pop (sång), Ron Asheton (gitarr), Scott Asheton (trummor) och Jason Alexander (bas), släppte dom skivorna The Stooges (1969) och Funhouse (1970). Dom kom även att släppa ett tredje album, Raw Power (1972) (producerat av Iggys största fan David Bowie) där Jason Williamson spela gitarr och Ron Asheton tog över basen (Jason Alexander var i ett för djupt alkohol missbruk för att spela.) The Stooges och MC5’s influens kan klart synas i punk rocken (vars band ofta gjorde covers på deras låtar) och all rock musik som söker en ”råare nerv” istället för ett finslipat sound (ett återkommande tema i konst i allmänhet för artister som söker ett ”rent” uttryck.)
Annars skedde inte så många anmärkningsvärda underground rörelser eller artister. Dom som är värda att kolla upp är bland annat Captain Beefheart som skapade bisarr musik som för honom var blues (men med många inslag av psykadelia.) Hans musik kan ofta efterlikna surrealism och främst kubism fast i ljud istället för visualiteter. Vi har också några speciella studio pionjärer som tyska kraut-rock bandet Can och jamaikanske producenten Lee ”Scratch” Perry (som höll på långt efter 60-talets slut men startade då.) Deras effekter i musiken kan verka simpla idag men är utan datorer väldigt svåra att skapa.

70-tal
70-talets rörelser under massmedian kom att snurra runt en stad (och ett par få platser i denna stad): New York. Det som är mest ikoniserat från denna eran är klubben CBGB’s (Country, Blugrass and Blues) som var en av startpunkterna för punken. Artisterna som startade här hade en mycket stor bredd. Dom första artisterna var bland annat Television, Patti Smith och Richard Hell vilka allagjorde sin egen tolkning avv rock musik med starka inslag av poesi och litteratur. Det fanns också band som kom att nå kändisskap. Då talat jag främst om garage bandet Ramones och dom mer dans influerade Talking Heads och Blondie.
Det bandet som väl attraherade alla band till New York var The New York Dolls. Dom spelade också garage efterliknande MC5 men dom var alla transsexuellt utklädda och var otroligt nihilistiska. Det dom gjorde var att dom satt en flagga på New York som en plats för dom som ville trycka på gränserna med vad rock innebar (och gjorde under tiden en lättläst mall åt punken.)
Men dessa artister ses idag bara som förskapare till punken och var i verkligheten inte i närheten av nästa New York scen när det gällde att trycka på gränser. Den jag talar om skedde mellan 1978-1980 och kom senare att kallas No Wave. Bandet som startade scenen var ett av dom första synth duon Suicide, som började spela på CBGB’s. Dom spelade musik baserad på enkla trum maskin beats och enkla melodier och med sångaren Alan Vega, som härmade Elvis och spöade sin egen publik, i fronten. Dom andra banden hade inte råd med sådan utrustning så dom höll sig till dom normala rock instrumenten (gitarr, bas, trummor.) Musikerna kunde egentligen inte spela sina instrument men var ofta inblandade i andra konstarter, som film och målning. Målet för dessa konstnärer var att avsäga säg alla tidigare musikaliska influenser och göra något som beskrev deras vision av världen (en ofta våldsam och skrämmande sådan.) En av dom få skivorna som släpptes från dessa band var samlingsskivan No New York (1980). Den producerades av synth pionjären Brian Eno vars motiv var: ”om jag inte spelar in dessa band kommer ingen att göra det”. Skivan innehöll endast 4 band (dom som nu är mest ihågkomna): Teenage Jesus & the Jerks, Mars, DNA och James Chance and the Contortions. Skivan gav inte en full bild av scenen (den saknade ju Glen Branca och hans gitarrorkester) men det var ett av dom få relevanta dokumenten och en självklar startpunkt för dom som vill lära sig om genren.

80-tal
På mer spridda delar i USA kom en mindre konceptuellt utmanande, men fysiskt laddad musikrörelse. Då pratar jag om Hardcore punken. Det viktigaste bandet att nämna är Black Flag. Varför är för att dom satt upp en mall för andra band att följa: snabb och tung punk inspirerad rock och så startade dom ordspråket ”Get In the Van”, som stod för deras sätt att turnera då banden åkte i en minibuss igenom nationen. Andra namnkunniga artister är bland annat Minor Threat (som startade Staright Edge rörelsen), Dead Kennedys (som förespråkade om stora politiska förändringar i Amerika) och Bad Brains (som tidigare var ett jazz fusion band.)
Men medan detta skedde i Amerika växte en mindre våldsam, men mer genomtänkt, genre fram i Storbritannien: Post-Punk. Denna genre experimenterade mer med udda genrer, som Reggae och Funk, och anvaände sig ofta flitigt av synthar. Och alla band lät väldigt olika: Det fanns föregångare till goth, som Joy Division och Echo and the Bunnymen. Det fanns det funkigare band som Gang Of Four och The Pop Group. Och dom som byggde på punkens råa sida, som The Fall och the Wire. Och så fanns det dom som gjorde rent experimentell musik som Public Image Ltd. och Magazine (Här fanns en till trend av Post-Punk: PIL’s sångare var tidigare i Sex Pistols och Magazines sångare var tidigare i Buzzcocks.) Men det finns även en mjukare sida av Post-Punk som i media oftast skulle kallas New Wave.
På 80-talet stod Amerika rätt stilla temamässigt. Dom flesta banden fortsatt i Hardcore Punkens stil fast det växte fram band som var mer melodiska. Nämnvärda är Hüsker Dü, The Replacements och Dinosaur Jr. Det fanns också en mötes plats för Hardcore och No Wave och Post-Punk genom Butthole Surfers och Big Black. Minutemen är också värda att kolla upp som gav punken en spinn med funk och klassisk rock involverat i sina låtar som inte ofta översteg två minuter. Det enda banden jag vill gå in extra på är Sonic Youth.
Sonic Youth har kallats ”Overlords of the underground” så och inte utan en poäng. Dom startade i New York precis när No Wave slutade och i början efterliknade dom ofta den musiken, men även med influenser från experimentell film som t.ex Richard Kern och Andy Warhols mer obskyra delar. Dom lyckades skaffa sig en gimmick i början genom att deras musik byggde på trasiga gitarrer som var omstämda (en ren idé stöld från Glen Branca, vars orkester bandets båda gitarrister vart del av) och hade trumpinnar under strängarna. Men genom mycket hårt arbete lyckades dom omvända denna brist på koventionella instrument till en fördel. Deras stora framgång kom genom trion EVOL (1986), Sister (1987) och Daydream Nation (1988) där dom lyckades skapa en ny version av rock musik som avkastar sig sina influenser lika mycket som den hyllar dom. Vad som är ännu mer imponerande är att dom hållit på enda sen dess och fortsatt trycka på hur deras musik uppfattas och släppt material av en kvalitet lika stark som det nya generationers idoler.
Britannien var lika stillastående under årtiondet. Den Enda platsen saker hände på var Manchester. Staden var hem för pop jättar som The Smiths och New Order, men under detta skedde något som kallades Madchester. Detta var en sort av rock musik med stark influens från psykadelia och och House (elekronisk dans genre.) Alla banden var under stor influens av droger (Speciellt Ecstacy) och inte många höll en bra kvalité. Dom riktiga undantagen är Stone Roses och Happy Mondays. Stone Roses liknade ofta klassisk rock men Happy Mondays var dom mest geniala. Dom spelade enkla groove baserade låtar med sångaren Shaun Ryder i centrum, med, vad som kan ha vart, dom kvickaste och smartaste texterna som gjorts om arbetarklass livet i Storbritannien.

90-tal
På 90-talet kom det som tidgare ha varit underground att explodera över massmedia genom Nirvana. Men det fanns det band som fortsatt att jobba under radarn. I USA startade något som kallades Lo-Fi. Musiken var simpel garage rock, det som fick musiken att sticka ut var dess amatörmässiga inspelningskvalitet. Målet var att skapa något opolerat som kändes mer sant för musikens skapare (men främst var motivet att dom inte hade råd med bättre utrustning.) Genrens starkaste släpp kom att bli skivan Slanted and Enchanted (1992) av Pavement. Andra nämnvärda band är bland annat Sebadoh och Guided By Voices.
I Storbritannien fanns 2 dominerande genrer. Den första jag tänker berätta om kallas Shoegaze (döpt efter hur banden såg ut på scenen.) Musiken var både högljudd och passiv. Banden hade skrikande höga gitarrer och, näst intill, viskad sång. Detta gav musiken en väldigt unik visuell bild av något som var både vackert och farligt (t.ex en vulkan.) Främsta bandet var My Bloody Valentine med skivan Loveless (1991), annars var även Ride och Slowdive viktiga. Men genrens grund kom till av 2 skottska band årtiondet innan: Spacemen 3 och Jesus and Mary Chain. Dessa innehöll samma element som det senare banden fast i en råare och smutsigare stil.
Annars var även electronican viktig under årtiondet. I slutet kom det även att vara viktigt inom pop musik, genom skivor av artister som Madonna, Björk och Radiohead främst. Men den verkliga revolutionen skedde på ett skivbolag vid namn Warp. Där var det främst Aphex Twin och Squarepusher som släppte skivor som tryckte på möjligheterna med datorer (och musik i allmänhet.) Under 90-talets sista år kom även ett viktigt album av Boards of Canada, Music Has the Right to Chidren (1998), som blandade in samma känslor som Shoegaze-stilen. Vad som var speciellt var att den visade att elektronisk musik kunde vara stimulerande för både hjärnan och själen (tidigare hade nästan bara den första prioriterats.) Ett viktigt släpp under 90-taet var också Endtroducing (1996) av DJ Shadow som blev den allra första skivan helt skapad på samplingar.

2000 och framåt
Med det nya millenniet fick ”Indie” en helt ny bild, ofta som något enkelt som kan avnjutas av alla. Anledningen till detta kan man nästan helt och hållet lägga på bandet The Strokes. Det The Strokes gjorde var att dom tog attityder (och melodier) från det som tidigare räknats som underground och slängt ihop det för ett charmigt funktionellt paket för nya generationer att ta in till sig. The Strokes var även från New York (än en gång) och tillsammans med andra band som Interpol, Yeah Yeah Yeahs och TV On the Radio kom dom att få New York som en indie huvudstad (än en gång.) Dessa var däremot långt ifrån dom modigaste banden (där måste man än en gång gräva under ytan.) Mina 2 favoriter (från samma stad) är Animal Collective och Liars.
Animal Collective startade som ett band som gjorde utmanande musik med akustiska gitarrer och slagverk men har under åren blivit mer elektroniska och deras musik bygger till stor del av samplingar (med influens från oljuds bandet Black Dice.) Deras musik bygger ofta på temat barndom och dess bra och dåliga sidor. Dom lyckas få igenom detta musikaliskt genom att alltid ge musiken en viss naiv känsla, deras metoder är bland annat väldigt melodiska sångbitar blandat med deras mer obskyra musikaliska bakgrunder kombinerat med komplicerad stämsång (efter deras kärlek till The Beach Boys.)
Liars är däremot ett band som tar från ren punk och oljudsmusik (t.ex bandet Lightning Bolt) och kombinerar det med album som ofta har ett koncept och berättar en historia genom alla låtar (andra skivan They Were Wrong, So We Drowned (2004) handlar om häxbränning.) Vad som ökat intresset för Liars är deras sätt att alltid utmana sin publik, påminnandes mig om, i alla fall min tolkninng av, performativ konst (kolla upp videon Do As The Birds, Eat The Remains för beviset.) Men vad som attraherar mig mest är att ta deras mestadels obskyra influenser in i ett väldigt unikt och kompromisslöst ljud och deras förmåga att fortsätta på eget spår och helt ignorera andras åsikter om dom (beviset på deras hårda arbete finns på skivan Drum’s Not Dead (2006).)
Men vad som förändrat situationen i att hitta musik mest under det nya millenniet är helt klart Internet. Genom sidor som Myspace, Wikipedia, LastFM och Pitchforkmedia kan man idag endast genom ett knappklick finna artister som du aldrig hade hört talas om (om du inte sett dom live) för 20 år sedan. Det finns det som ser det som en dålig sak att ungdomar inte behöver jobba något för att hitta okända band men personligen ser jag det som en bra sak att alla artister kan sprida sig internationellt för att hitta fans, speciellt när ingen köper skivor idag så behöver dom fler dedikerade lyssnare. Och så har jag slutligen nåt upp till idag berättandes om underground musik historia i allmänhet.

Om propaganda

av Simon Häger Es3b

Ordet propaganda kommer från det latinska ordet för att fortplanta och utbreda, och är ett meddelande eller framställning avsedd att föra fram en agenda. Syftet med propaganda är inte att informera utan att påverka, detta betyder att propaganda ofta, om inte alltid är vinklad, ofullständig eller rent av falsk. Utmärkande för propaganda är att den är partisk, försvårar mottagarens kritiska prövning av budskapet och undviker öppna och allsidiga resonemang. Innebörden skiljer sig något i olika länder och språk trots att ordet är mycket internationellt – i brasiliansk portugisiska och sydamerikansk spanska avses till exempel som regel betydelsen ”reklam”, grundvillkoren för propaganda är nämligen desamma som för reklam. Oftast har propaganda i svensk mening ett politiskt eller nationalistiskt budskap och tema. Den kan ta formen av flygblad, affischer, tv- eller radioreklam eller spridas via Internet.

Olika typer av propaganda

De olika typerna av propaganda skiljer sig dels i varifrån propagandan kommer och i vilket syfte den sprids.

Typer; Makthavarens propaganda. Denna typ av propaganda sprids av makthavaren för att stödja och säkra dennes politiska position. Censur är en viktig del i denna typ av propaganda eftersom makthavaren kontrollerar folket genom att endast låta dem ta del av den information som främjar dennes sak.

Religiös propaganda. Denna term används dels om nya religiösa sekter/kulter och deras ”reklam”, dels kritiseras avfällingar och före detta medlemmar som kritiserar rörelserna ofta av rörelserna själva som propaganda.

Propaganda i krig. Propaganda i krig används i två huvudsyften, att avhumanisera och skapa hat mot fienden. Laddade bilder och ord används för att väcka känslor och spela på folks rädslor för att ge folk uppfattningen om att saker skett trots att det inte är sant. Ofta avser propaganda att få den egna befolkningen att tro att orättvisor begåtts, att de själva är offren och fienden förövaren.

Propaganda kan klassificeras utifrån vilken källa den kommer ifrån.

Vit propaganda; Korrekt angiven källa.

Grå propaganda; Utgiver sig för att komma från en neutralt inställd källa men kommer egentligen från en motståndare.

Svart propaganda; Utgiver sig från att komma från en vänskapligt inställd källa men kommer egentligen från en motståndare.

Propaganda och propagandakonst

Det här är mitt försök att förankra ovanstående dravel om ett politiskt verktyg i ämnet nutida konst. Vad är propaganda och vad är propagandakonst, vad skiljer dem åt och vad håller dem samman?

För att få lite klarhet i saken får man titta på vad som definierar propaganda. Syftet med propaganda är påverka och den är därför ofta ofullständig eller vinklad, propaganda är partisk, försvårar mottagarens kritiska prövning av budskapet och undviker öppna och allsidiga resonemang. Detta är de kriterier sätts för propaganda och jag tänker därför föra mitt resonemang utifrån dessa punkter.

Konst som påverkar, propaganda? Som jag har uppfattat det så är påverkan en sak som alla konstnärer strävar efter, är då all konst propaganda? Nej självklart inte, då skulle vi inte ha två olika begrepp.

Ofullständig konst, propaganda? Är konst som inte speglar sanningen, hela sanningen och inget annat än sanningen propaganda? Om man vill tro de flesta stilriktningar inom konsten så borde även denna fråga kunna avfärdas med att ingett konstverk är totalt objektivt och då borde all konst vara propaganda.

Vinklad konst, propaganda? Är konst som är vinklad propaganda? Här beror det mer på hur man resonerar kring begreppet vinklad konst, dels kan man se på det som mitt föregående resonemang kring ofullständig konst att konsten alltid är vinklad eftersom en konstnär aldrig kan vara helt objektiv. Man kan även se på saken så att konstnären medvetet tagit bort vitala delar av en bild för att ge en ensidig och skev bild av något denne hävdar ska föreställa verkligheten.

Konst som försvårar mottagarens kritiska bedömning och undviker allsidiga och öppna resonemang, propaganda? Det är här jag tycker att en klarare bild av begreppet propagandakonst börjar formas. Vilka stora stilriktningar kan göra anspråk på att försvåra mottagarens kritiska bedömning av budskapet, socialrealismen och romantiken kanske, men sen är ju de ändå starkt förknippade med diktaturer som nazi-tyskland och kommunist-sovjet.

Både socialrealismens och romantikens konst är utformad så att deras ensidiga och partiska budskap är väldigt lätt att ta till sig och svårt att säga emot. Romantiken och socialrealismen spelar båda på patriotism och starka känslor för gemenskapen mellan landsmän och/eller likasinnade i blandade hjärtefrågor. Detta betyder inte nödvändigtvis att de är menade som propaganda eller propagandakonst eftersom de inte är skapade i syfte att vilseleda eller propagera. Dessa stilar kan fortfarande betraktas som konst eftersom de inte uppmanar till ställningstagande som man kan bli nekad öppna och allsidiga resonemang i.

Vad är då propagandakonst och vad är konst? All propaganda är självklart inte så rak som den klassiska ”Uncle Sam” och det är i gränsfallen jag tycker att man kan använda ordet propagandakonst, i dessa gränsfall så är kontexten det tyngst vägande i frågan om propagandakonst kontra vanlig konst. Själva bildspråket i mycket propaganda är snarlik det bildspråk som romantiska konstnärer och socialrealistiska konstnärer använder sig av; då återstår bara skillnaden mellan propagandakonst och konst i huruvida man placerar bilderna i ett konstnärligt rum eller i ett ”propagerande rum”. Jag kan visa med två exempel på delvis en romantisk och en typisk propagandabild. Den ena är konst och den andra är propaganda, båda propagerar för sin sak men den vänstra har placerats i ett konstnärligt sammanhang och har då blivit någonting jag vill kalla för propagandakonst, propagerande konst.

Pablo Picasso och kubismen

av Moa Ahlstrand

Pablo Picasso föddes den 25 oktober 1881 i Málaga, Spanien. Han var son till José Ruiz y Blasco, som var målare och konstprofessor och María Picasso y López. Födseln var mycket dramatisk. Barnmorskan trodde att Pablo var dödfödd och ägnade sig istället åt modern Maria. Det var farbrodern och läkaren Don Salvador som räddade livet på lilla Pablo Picasso. Hans fullständiga namn var Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso. Picasso lärde sig grunderna som figurteckning och målning med olja av sin far. Han visades tidigt vara mycket konstnärligt lagd. Hans första kända oljemålning Picador målade han redan vid åtta års ålder. När han var tio år började Pablo signera sina målningar med sin mors flicknamn; Picasso. Han började sina studier i Barcelona som 14 åring. Den sista konstskolan Picasso studerade på var San Fernandos Kungliga Akademi i Madrid. Där var han inte längre än ett år och tog ingen examen.

I början av 1900-talet var Picasso inne i en förnyelseprocess och växlade mellan att bygga upp formen måleriskt och att försöka gestalta afrikanska masker. Han var väldigt inne på att föra in groteska ansiktsformer i sina bilder.Ifrån detta jobbade Picasso och hans vän Georges Braque vidare med enkla former i geometriska former och ville måla framifrån, bakifrån och från sidan samtidigt. Vilket senare skapade Kubismen i slutet av 1907.

Kubismen fick sitt namn när Braque ställde ut sina tavlor i Paris. Konstkritikern Louis Vauxcelles tyckte att målningarna innehöll för mycket kuber och andra geometriska former och då fick Picassos och Braques konststil namnet kubism. Kubismen behövde inte gestalta verkligheten på ett realistiskt sätt, den behöver inte ”över huvudtaget ge någon tolkning av den yttre verkligheten”. Picasso och Braque var intresserade av tavlans ytplan och bröt upp formerna geometriskt och ställde olika färgplan mot varandra. Kubisterna sökte efter synvärldens underliggande former som dom ville bryta ner i dess mest grundläggande former.

En person som Picasso var inspirerad av var den franska konstnären Paul Cézannes.När man ska förklara kubismen citerar man ofta ett brev av Cézanne: ”Betrakta naturen genom cylindern, sfären och konen. Allting i rätt perspektiv så att varje sida hos ett föremål eller ett plan är riktat mot en central punkt.” Dom första kubistiska verken är föremål, landskap och människor som framställs som flersidiga hårda kroppar. Man använde ofta murriga färger som grå, brun, blå och vita toner. Picasso och Braque övergick sedan till en tvådimensionell mer abstrakt form (hermetisk Kubism) där motivet var helt eller delvis omöjligt att urskilja och det övergripande mönstret fick en större betydelse. Inom kubismen finns det två grenar, analytisk kubism och syntetisk kubism. I analytisk kubism analyserar och sönderdelar man motivet i små geometriska former och ibland till oigenkännlighet, men i den syntetiska kubismen bildar man en syntes, en helhet av geometriska figurer.

Kubismen hade stort inflytande på futurismen i Italien, vorticismen i England och hade även en viss påverkan på expressionismen i Tyskland. Kubismen var också en viktig föregångare till andra rörelser som strävade efter en mer abstrakt konst, till exempel konstruktivismen och suprematismen i Ryssland. Kubismen har fortfarande stort inflytande på 1900-talets konst. Runt 1920 gjorde den franske konstnären Amédée Ozenfant och arkitekten Le Corbusier ett försök att återgå till en förenklad och renarekubism. Men kubismen var redan en för stor del av det allmänna konstnärliga språket. Kubistiska idéer och tekniker har fortsatt att användas fram till idag. Under den syntetiska perioden av kubismen uppfanns Collaget.

Man kan säga att kubismen är den viktigaste konstinriktningen under 1900-talet men har än idag betydelse för konsten. Picasso var extremt produktiv, han skapade ända fram till sin död. Under sin livstid hann han med att göra omkring 13500 målningar och teckningar, 100 000 tryck och gravyrer, 34 000 bokillustrationer, 300 skulpturer och keramikarbeten. Värdet av allt detta uppskattas till 6 miljarder kronor. 1948 flyttade Picasso till Rivieran där han även dog den 8 april1973.

KÄLLOR
http://en.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso
http://www.mimersbrunn.se/Pablo_Picasso_3301.htmhttp://susning.nu/Pablo_Picasso
http://gvg.furu.kalix.se/furuhed/program/es/kurser/modernkonst/kubism/default.htm
http://wapedia.mobi/sv/Paul_C%C3%A9zanne

Kazuraav

Linn Beerman Es3a

Kazuhiko Nakamura föddes år 1961 i Tokooya City, Japan. Han började teckna fantastiska bilder redan vid tidig ålder och hans pappa lärde honom grunderna.

När han var sexton år gammal så började han fascineras utav
dom dagdrömsliknande, surrealistiska bilderna av Salvador Dali. Han blev även
starkt influerad utav
Ernst Fuchs, H.R Giger och Hans Bellmer och började producera teckningar och
vattenfärgsmålningar.

När han tagit sin examen från konstskolan så arbetade han som
designer för att få en inkomst och han sköt upp sina konstnärliga aktiviteter. Emellertid
så kände han ett pånyttfött behov att skapa konst och sen år 1996 så har han
skapat fri 3D-konst under den lilla fritid han har. Han fann en möjlighet till att uttrycka sig genom digital konst. Kazuhiko Nakamuras konst äger så mycket. Så vacker och djup.

Världen som han skapar betecknar surrealistiska porträtt
föreställande en mix av människokroppar och maskiner från vilka man kan känna
av cyberpunken, fetischism och manierism. År 2004 så introducerades hans
konstverk på ”The Major World 3D-art Site” för första gången. Då fick hans
bilder fick uppmärksamhet via olika tävlingar och publikationer.
Sagt av
Kazuhiko själv:” När jag var liten så gillade jag att titta i bilderböcker och uppslagsverk. En
variation med olika bilder av djur, insekter, vapen, slott och maskiner växte i
mitt sinne men idéerna försvann med tiden. Den typen av bilder är idag som
isär plockade, gammalmodiga leksaker som ligger lagrade i ett förråd av minnen. I alla
fall, det finns en massa outnyttjat konstmaterial som väntar på att bli använt
och få en ny mening och att få bli rekonstruerat. Jag samlar ihop deras
ofullständiga bilder och så sätter jag försiktigt ihop dom som ett pussel.
Under mitt skapande så upprepar mina konstverk förvandlingen och till på samma sätt som insekter.

Manga

Av Sandra Bergström Es3a

1760 – 1849 levde träsnittskonstnären Katsushika Hokusai som gjorde karikatyr-sketcher av både människor och djur, varav han myntade ordet manga som i direk översättning betyder fria bilder. Under 1950 talet kom den morderna manga karaktären med stora, uttrycksfulla ögon och oproportionerliga kroppar i mangan Astro Boy som sägs vara den första mangan i Japan, skapad av Osamu Tezuka.
Stiliskt sett så skiljer sig mangan från västerländska serier, men mer och mer börjar de influeras av varandra, så att Osamu Tezuka inspirerades av Disney och Fleischer var inte oförutsägbart. Mangan sträcker sig dock åt mera olika håll, det kan gå från realistiska bilder till enkla teckningar, därför är det mycket vanligt att man blandar realistiska bakgrunder med enklare eller mindre realistiska manga karaktärer och djur.
Manga serietecknandet är mer filmiskt skapat än västerländska serier. I västerländsk stil sveper händelserna över flera sidor och oftast mer direkta byten mellan handling och scener, medan mangan ger mer ögonblicksbilder och övergripande stämningar. Mangans teckningsstil förekommer på så vis mer och mer i västerländska serier och lockar också mer publik.
Mangan är inte bara populärt i Japan utan även i många andra länder. Något som skiljer sig än mer från västerländska serier är alla mangans olika målgrupper och genrer som sträcker sig långt bortom vad västerländska serier kommer klara. Man kan säga att det finns en manga för alla.

Målgruppsgenrer Innehållsgenrer
Josei – Vuxna kvinnor                       Hentai – Porr
Kodomo – Barn                       Ecchi – Fanservice eller lätt porr.
Seinen – Vuxna män              Guro – pornografiskt med extremt våld
Shōjo – Flickor                       Mahō Shōjo – magiska flickor
Shōnen – Pojkar                    Mecha – Robotar
Shōnen Ai och Yaoi – Kärlek mellan två killar
Shōjo Ai och Yuri – Kärlek mellan två tjejer

Vad som uppges idag är att allt tryckt material i Japan är 35% manga. Japanerna skriver från höger till vänster och läser likaså från (vad vi skulle säga från slutet) höger till vänster. På så vis har det blivit att mangan kommer i samma stuk att man ritar från höger till vänster med rutorna.
Eftersom manga pocketböckerna ses som en samlar vara som man inte ska läsa i köper man i japan istället tidningar som går från 200-800 sidor. När de läst klart tidningarna slängs dom för att inte ta plats istället. I resterande världen ses manga pocketböckerna som något man både samlar och läser i och detta sliter oftast på pocketböckerna och sidorna kan falla ur efter ett flitigt användande. Detta se de flästa Japaner som något små korkat från våran sida.
Ändast utanför Japan har manga kommit att blivit japanska serier. Komikkusu från engelskan ”Comics” är ett låneord som Japanerna använder som en mer sofistikerad synonym. Japanerna anser ordet från engelskan som modernt.

Nutidakonst Metal Artwork och konst

Av Albin Sköld Es3a
Något som har fascinerat mig ända sen jag började lyssna på metal är just den konst som förekommer på omslagen. Jag har tittat närmare på några av mina egna favoritband och letat upp konstnärerna bakom de flesta av deras album.
Och jag har kommit fram till en del intressanta saker under mitt sökande.
Allt grafiskt som kopplas samman med metal band tror folk för det mesta är bilder som fokuserar på död, smärta, blod, gotik, jordens undergång etc.
Detta kan vara fallet i viss mån men alla band fokuserar inte endast på helt och hållet mörka, onda teman. Mycket politik är även inblandat i konsten och musiken i sig självt. Banden som jag har studerat under den här tiden är Meshuggah, In Flames, Dark Tranquillity, Lamb of God och
Children of Bodom. Dessa band tillhör allihop mer eller mindre ”Death-Metal” genren vilket tillsynes kan låta som det tyngsta av det tyngsta inom musiken. Det är det dock inte måste jag säga, även om det är nära inpå. Men vad jag vill säga med denna information är att dessa band kan liknas med varandra genom den konst som förekommer i deras album och merchandise.
Politik är t.ex. en gemensam faktor som förekommer både i texterna och artworket. Och som man kan förstå är politisk musik idag inte förespråkande direkt utan rentav motsatsen. Därför förekommer det mycket satiriska inslag i konsten, mörk humor skulle man kunna säga. Man använder inslag som vi har lärt oss följer modellen ”Gott och fint” och blandar dem med inslag som vi ser som hotfulla, farliga och onda. Som exempel finns det många konstnärer som har tagit inspiration från Popkonsten och serietecknandets värld och blandar in det i sina verk. Popkonstens inslag av skarpa linjer, starka färger ger ett intryck av lekfullhet och barnslighet. Denna metod används sedan av konceptartisterna till avbildningar av motsägelsefulla inslag till vad Popkonsten egentligen står för. En förenkling av det hela; många koncept artister blandar popkonst och Serietecknandets metoder med gotik och apokalyptiska inslag.
Det hela blir ett mish mash av färgglad ondska.
Sedan finns det en rätt typisk form av artwork som många Death Metal band har på sina omslag. Det är en form av ”Photoshopade” bilder som blandar Gotik, Futurism, Romantik och Industrialisering. Bilderna i sig består av flera ihop klippta stycken av olika bilder som korrigeras och läggs i lager ovanpå varandra, mörkläggs, ljussätts, och fylls i. Konstnärerna blandar bland annat bilder av metallbitar, fabriker, verktyg och maskiner tillsammans med bl.a. bilder av landskap och himlakroppar för att skapa en konstrast mellan naturligt och onaturligt.
Allting organiseras och tillsätts med effekter sedan för att ge alla delarna av bilden en gemensam ton. Bilderna är oftast mycket vackra och detaljerade och det kanske framgår som att dessa bilder ofta ser exakt likadana ut, men jag måste säga att det är de inte alls. Tankarna man får förs ofta till industrialiseringens effekt av världen och blandat med de futuristiska inslagen tänker man på den massindustrialiserade plats som är jorden inom några hundra år. Men jag nämnde också att Gotik och Romantik ingår också ofta och dessa genrer används oftast till att försköna det i bilderna som vi annars anser som ondskefullt och farligt. Det kan till exempel vara siluetten av en vacker kvinna, en glimt av solljus, en vacker ros o.s.v. Konceptet blir en romantisk bild av en mörk, industrialiserad värld.
Det har varit intressant att forska om just den konsten som cirkulerar den musiken jag själv lyssnar på och köper. Att se in i bilderna och tolka dem gav mig större insikt i dess ursprung och inflytande.

Frijazz och improvisationen

Av Marcus Björlin Es3B

”Ett fritt lyssnande stimulerar till fritt tänkande, som i sin tur leder till ett fritt handlande”

-Dror Feiler

Vad är frijazz?
Fri jazz är en musikstil som är svår att definiera man har blandat musiken med så många olika musikstilar. Huvudsyftet med det är att spela utanför all inövad teori, i fri jazzen är melodin helt fri. Det är mycket friare att spela fri jazz än vanlig jazz man har bredare möjligheter på vad man ska göra med solo, melodi etc. Ibland saknar musiken takt och rytm man är aldrig helt säker på vad som kommer att hända inte ens musikerna själva är helt säkra på vad dom ska göra på en spelning. Som ibland kan resultera med riktigt dåliga spelningar.
Kända frijazzare

De flesta åskådare har svårt att acceptera och förstå frijazzen inte minst när den utvecklades på 50-talet. En av de första frijazzarna Albert Ayler blev utkastad ett flertal gånger för att ha spelat frijazz på jazzklubbar i det tidiga 50-talet. Albert var fattig men påstod att i framtiden kommer folk att förstå hans musik och gav inte upp. Andra frijazzare annat än Ayler är John Coltrane som är nog den mest kända inom området, Ornette Coleman och Paul Bley.

Värt att nämna är att frijazzare är väldigt filosofiska och egna av sig, när de går upp på scen så är det deras skapande som står i fokus det är inte publiken eller publiciteten de är ute efter. Peter Brötzman en känd frijazz saxofonist sa i en intervju att även om han behövde mer pengar så skulle han aldrig ta kommersiella spelningar. På svar varför inte så svarade han, ”om jag inte är sann mot mitt uttryck, betyder det att jag kan köpas”. Intressant och kaxigt citat enligt mig, att man kan vara så dedikerad till sin musik på ett sådant andligt sätt är otroligt.

När jag själv står på scenen och spelar är man ju självklart ute efter att spridda sin musik vidare till publiken det är ju därför man har spelningar överhuvudtaget enligt mig. När jag läste om Peter Brötzman så får jag en känsla att han hellre skulle vilja stå i ett garage någonstans än på scenen. Visserligen kan man tycka att han kanske överdriver en gnutta med att sticka ut så väldigt, kanske är han bara ute efter publicitet efter allt kommer omkring genom att tänka modernt och komma med något nytt, vem vet? Det finns folk som förstår sig på frijazz/abstrakt expressionism och så finns det folk som inte förstår. Visserligen tycker jag personligen om att spela frijazz i vissa mängder men har aldrig förstått meningen med det förutom att släppa allt och tänka fritt. En person som utger sig för att vara expert eller frijazz musiker vara förstå musiken är lite fjantigt enligt mig. Men nu pratar jag bara om exakt vad jag tycker och tänker.’

Improvisation

I frijazz är det ren improvisation från undermedveten syn som präglas, som nämnt tidigare så ska man spela utanför all inövad teori. Jag själv skulle hellre vilja kalla frijazz musiker för ”konst musiker” istället för musiker. Man kan tolka spelandet som en ljudbild framför sig när de spelar, istället för till exempel ett saxofonspel. Det finns två olika typer av improvisation, man har den ena som menar att allt är improvisation och den andra som menar att ingenting är improvisation. Med andra ord så kan man tolka frijazzen och vilken annan musik som helst på många olika sätt, detsamma gäller konsten där man kan tolka en målning på hur många olika sätt som helst ju längre man kollar desto djupare kommer man. Ungefär så fungerar det även med frijazzen så det finns vissa paralleller mellan fri jazz och konst.

Kopplingar mellan den abstrakta expressionismen och frijazzen

Om man tänker på detta så kan man säga att fri jazz och den abstrakta expressionismen ur en improvisatörs synvinkel har samma mening. Jag skulle kunna tänka mig att målare inom den genren har bland annat frijazz som inspirations källa och vice versa att vissa frijazzare har den abstrakta expressionism konsten som inspiration för att skapa.

Källhänvisning

Wikipedia
Reportage om Peter Brötzman i ”lira musikmagasin”
Egen erfarenhet om ämnet

Opeth

av Erik Ydlinger och Oskar Andersson Es3b
Opeth är ett death-metal band som bildades i Stockholm 1990. De blandar klassisk akustisk gitarr med death-metal och även progressiva element med inslag av jazz. Sedan starten har Opeth släppt 9 studio album, 2 live album och 1 DVD. Namnet Opeth kommer från månstaden Opet i Wilbur Smiths bok ”Sunbird”

I början skiftade bandet medlemmar väldigt ofta, den enda orginalmedlemmen i bandet är Mikael Åkerfeldt. Från början spelade Mikael Åkerfeldt gitarr och David Isberg sjöng men efter en tid hoppade sångaren av och då tog Åkerfeldt över som både gitarrist och sångare.

Bandet spelade in sitt debut album ”Orchid” 1994 och fick skivkontrakt med Candlelight records.

Efter några live framträdanden i United Kingdom återvände Opeth till studion i Mars 1996 för att börja spela in sitt andra album ”Morningrise” som släpptes den 24e Juni samma år. Bandet gjorde sedan en 26 dagars turné tillsammans med Cradle of Filth.

Den tredje plattan ”My Arms Your Hearse” släpptes 1997.

Detta album var lite annorlunda än de tidigare, dels för att låtarna var mindre melodiska och sången mörkare och mer aggressiv men också därför att låtarna var betydligt mycket kortare än tidigare låtar som brukade vara runt 10 minuter långa. För att sammanfatta så var musiken mörkare och mer hotfull.

Sen kom deras fjärde ”Still Life” 1999. De fortsatte med stilen från förra plattan fast med mer akustiska partier. Det var även förbättrade övergångar mellan de tyngre och akustiska partierna.

2001 kom Opeth´s femte album ”Blackwater” park ut. Detta album innehöll mer vanlig sång än de tidigare skivorna som till mesta dels var growl. Detta ledde till både kritikmässig och konversiell framgång för bandet. Denna skiva var även mer orientalisk influerad. Specielt låten ”Bleak”.

Deras sjätte album ”Deliverance” släpptes 2002 och kom med på album billboards listan över de 100 bästa albumen. Musiken är nu tyngre och låtarna längre än någonsin.

Sjunde albumet ”Damnation” är lugn rakt igenom och spelades in samtidigt som ”Deliverance” utav lugna partier de hade kvar efter inspelningen. Släpptes dock året efter (2003).

Bandet tog nu en paus efter en 16 månaders turné. Men Mikal Åkerfeldt började genast skriva material till nästa skiva ”Ghost Reveries” som släpptes 2005.

Senaste Plattan kom ut i år (2008) och har titeln ”Watershed”

Om man skulle gå lite mer på musiken då!

Opeth är en blandning mellan olika stilar bl.a. ALLA SOM FINNS! men i huvudsak progressiv metal, jazz och blues.

Men vad betyder progressiv metal?
”en komplicerad form av metal, som experimenterar väldigt mycket, bland annat med taktarter. Den räknas som hårdare än den progressiva rocken. Låtarna är relativt långa, samt många grupper blandar in olika musikgerner så som jazz & klassisk musik.Texterna är ofta mycket allvarliga och komplexa .”

Man kan även höra inslag av folkmusik och orientaliska influenser.

Det är svårt att beskriva vilken känsla man får av musiken, både på grund av att ingen får samma känsla och att det sällan är samma slags musik genom hela låten. Men jag anser att Opeth har någonting för alla som gillar musik (d.v.s. inte folk som gillar Hip hop eller trance^^).

Deras musik är lite som ”småfilmer” med många olika vändningar. Låten kan börja sorligt men sluta lyckligt eller tvärtom. Om man är sugen på lite mys eller bara lite soft bakgrundsmusik ska man definitivt välja ”damnation” plattan. Massa olika känslor som kommer ut i en lugn och skön skiva.

Enligt mig är det är lite svårt att tolka texterna, för mesta känns det som om det är musiken som beskriver allt. Texten är bara en liten del utav handlingen, men som med alla texter som skrivs på engelska så blir det väldigt roligt på svenska.

Wassily Kandinsky

Av Karin Jarlfors Es3b
Grafikern, målaren och konstteoretikern Wassily Kandinsky, eller Vasilij Kandinskij som är den ryska stavningen, föddes i Ryssland den 4 december 1866. Han var verksam i Ryssland, Tyskland och Frankrike och började studera konst i München 1896 efter att han studerat juridik och etnografi i Moskva.

Han påbörjade sin konstutbildning i München 1869 och inspirerades då mycket av rysk folkkonst, ikoner och den samtida konsten. I början av 1900-talet blev han mycket inspirerad av fauvisternas färgspel som han kom i kontakt med i Paris, en av många europeiska städer som han besökte under sina konststudier. Lite senare började han måla självständigt och under en period som varade mellan 1906 och 1909 började han måla expressionistiskt. 1910 producerade han sitt första abstrakta konstverk i form av en akvarell, Den första abstrakta akvarellen. Många anser att detta är det första abstrakta konstverket överhuvudtaget och Kandinsky räknas dels därför som en av de viktigaste och mest innovativa konstnärerna och konstteoretikerna under 1900-talet.
En abstraktion innebär att man drar ifrån och en abstrakt bild kan i bokstavlig mening då betyda att man drar ifrån och förenklar en bild. Detta gör man även om man målar fotorealistiskt, så i modern mening innebär abstrakt konst att man inte bara förenklar formen utan också motivet. Det som är gemensamt för abstrakt konst är att konstverken inte föreställer något konkret. Kandinsky själv såg sina abstrakta bilder som uttryck för känslor framför att se dem som resultat av en process skapad av intellektet.
1911 levde Kandinsky i Tyskland och startade tillsammans Franz Marc konstnärsgruppen Der Blaue Reiter som varade till 1914. Deras mål var att frigöra konstverket från att vara endast avbildande. När första världskriget bröt ut 1914 var Kandinsky tvungen att flytta ut ur Tyskland på grund av sin ryska härkomst och flyttade då tillbaka till det dåvarande Sovjet.
Kandinsky återvände till Tyskland 1921 där han lät det abstrakta måleriet och konstruktivismen påverka honom i hans konstnärskap.

Konstruktivismen är en ingenjörsmässig syn på konstverket, det innebär att man inom konstruktivismen har en materialistisk syn på konst och att man har en idé om den konkreta konsten. Detta i sin tur innebär att man skapar konst just för sitt syfte att vara konst, konsten är inget mer utöver färg, form och material. Konstruktivismen föddes ur ryska revolutionens kommunistiska ideologi och därför var konsten, enligt konstruktivismen, för folket. Man inriktade sig väldigt mycket på massproduktion och arkitektur samtidigt som den innehöll kommunistisk propaganda.
Enligt nazismen var Kandinskys konst degenererad och till följd av det var han tvungen att utvandra till Frankrike 1933 där han stannade till sin död 13 december, 1944.
Kandinsky började studera musik, piano och cello redan som ung och när han sedan var verksam som konstnär inspirerades han ofta av musik. Han såg konsten som ett samspel mellan bild och musik. Han stävade efter att hitta en bildvärld där färgen, ytan och linjerna skulle tala för sig själva eftersom han menade att färgerna formulerade psykiska och fysiska tillstånd och egenskaper. När han 1911 skrev det som senare skulle ses som modernismens grunddokument, hans konstteoretiska text Über das Geistige in der Kunst lånade han mycket från musikteorin och sinnesanalogin. Sinnesanalogi är när element är sammansmält av olika sinnen, till exempel i en dikt så har Gunnar Eklöf skrivit ”kvittrar fåglarna pärlband”. Av detta ser och hör man hur fåglarna kvittrar vackert. Han använde en sinnesanalogi för att få fram rätt intryck av det han försökte beskriva.
Från musikteorin så lånade Kandinsky toner och delade upp färgen i färgklanger som sedan bildar färgackord. Han menade att färgackorden antingen frambringar harmoni eller disharmoni. Han kallade det för det kommunicerande måleriet.
Kandinsky kallade många av sina målningar för kompositioner vilket har sin grund i en del av hans konstteori. Han menade att en improvisation uppstår från intryck från omgivningen, att impressionen uppstår ur omedvetna intryck inifrån och att kompositionerna är en blandning mellan dessa två.

Popkonsten och Roy Lichtenstein

av Therese Lindahl Es3a

Jag valde popkonsten för att jag tycker att det är en skön konst som visar det vardagliga på ett roligt sätt samtidigt på ett ovanligt sätt. Konsten har tjocka linjer med målade ytor. Man ska heller inte veta vad konstnären har utgått att måla av. Det är det som jag tycker är intressant.
På 1950-talet så kom popkonsten till England. Man behövde inte gå på något museum för att kolla på konsten. Så mer och mer personer blev intresserade av konsten. Det var en lätt konst så att ingen behövde gå på någon utbildning för att kunna rita konsten. Det var en stil för ungdomarna eftersom de kände till samhället bättre än de vuxna, för att de kände till deras generation av livsstil som modet, designen, reklamen, arkitekturen, tidningarna och möblerna. Så därför påverkades popkonsten av ungdomarnas generation. Så det var nog därför Popkonsten blev populär överallt under 1950-talet och det ”lever” fortfarande i vår tid.
På engelska heter det Popart och pop kommer från popular som betyder populärt. 1960- talet blev popkonsten ännu mer populärt då konstnärer som Andy Warhol, Roy Lichtenstein och Robert Rauschenberg upptäcktes.
Roy Lichtenstein föddes 27 oktober i Manhattan på Flower Hospital 1923, – 1997.
Hans pappa föddes i Brooklyn och var med i 1 världskriget. Han mamma var född i New Orleans och var uppväxt i Connecticut, hon var en duktig pianist.
När han gick i High School så spelade han Klarinett, Piano och flöjt. Det var mycket med musiken han besökte jazzklubbar med en kompis. Han formade även ett band.
Hans första och ända syskon var hans syster Renée som blev född 1927 17 december. Han gifte sig med Isabel Wilson och fick 2 söner David Hoyt Lichtenstein och Mitchell Wilson Lichtenstein. Isabel och Roy tog skilsmässa 1967. Han gifte om sig med Marries Dorothy Herzka 1 november, 1968.
Han studerade år 1939- 42 i New York på Art Students’ League och 1946-49 i Ohio. Han blev inkallad i armén när han inte studerade och då fick han tjänstgöra i Europa. Han arbetade som grafiker, dekoratör. Hans första egna utställning var 1951 i New York. Från 1960-talet så har Lichtensteins tavlor funnits överallt i världen. Hans tavlor har varit i USA tex i Solomon R. Guggenheim, Tyskland, England i Tate Gallery i London och I Schweiz i Kunsthalle i Bern och många fler.
Lichtenstein gör tavlor som innehåller krig, kärlek och vardagliga saker men också enligt vad jag tror får dem oss att tänka och drömma oss bort. Tavlorna kan få tankarna bland annat att fladdra till hur den karaktären har och hur man själv har det, man kanske tröstar sig med tavlorna som berör en, det är nog därför som han är populär och har alltid varit populär i alla fall vad jag tror och känner.
Jag tycker att konstnären Roy Lichtenstein är en bra konstnär eftersom att hans konst på något sätt har mer med samhället att göra så jag tror då att det är därför att popkonsten har alltid varit känd och för att det finns inga värderingar bakom själva porträttet för det kan vara vad som helst som Lichtenstein har utgått från när han gör konst.
Han har gjort tavlor som: Thinking of Him (9999), Girl with Hair Ribbon (1965), Kiss V (1964), Whaam ! (1963), Drowning Girl (9999), Whaam! (1963), bland annat.
Han använde sig utav olika stilar för att få fram sin konst. Ibland kunde det vara roliga målningar eller även allvarliga. Han använde sig utav tidningar, reklam, serier, texter, olika oljefärgstilar och grafik, Hans målningar speglar lite av hans liv.
Hans konst står idag på Guggenheims museum i New York. Rot Lichtenstein gjorde en serie med olika kända konstnärers målningar som t.ex Pablo Picasso, Henri Matisse och Claud Monet. Han gjorde en liknande sak ett år innan han dog, det var en serie på kinesiska landskapstavlor år 1996.

Popkonst
Konsten har tjocka linjer med målade ytor. Man ska heller inte veta vad konstnären har utgått att måla av. Det är det som jag tycker är intressant.

Popkonstens tillkomst
På 1950-talet så kom popkonsten till England. Man behövde inte gå på något museum för att kolla på konsten. Så mer och mer personer blev intresserade av konsten. Det var en lätt konst så att ingen behövde gå på någon utbildning för att kunna rita konsten. Det var en stil för ungdomarna eftersom de kände till samhället bättre än de vuxna, för att de kände till deras generation av livsstil som modet, designen, reklamen, arkitekturen, tidningarna och möblerna. Så därför påverkades popkonsten av ungdomarnas generation. Så det var nog därför Popkonsten blev populär överallt under 1950-talet och det ”lever” fortfarande i vår tid.

På engelska heter det Popart och pop kommer från popular som betyder populärt.1960- talet blev popkonsten ännu mer populärt då konstnärer som Andy Warhol, Roy Lichtenstein och Robert Rauschenberg upptäcktes.
Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein föddes 27 oktober i Manhattan på Flower Hospital 1923, – 1997.
Hans pappa föddes i Brooklyn och var med i 1 världskriget. Hans mamma var född i

New Orleans och var uppväxt i Connecticut, hon var en duktig pianist.

När han gick i High School så spelade han Klarinett, Piano och flöjt. Det var mycket med musiken, han besökte klubbar med en kompis. Han formade även ett band. Men han drogs ändå åt konsten.

Han studerade år 1939- 42 på i New York i Art Students’ League och 1946-49 i Ohio. Han blev inkallad i armén när han inte studerade och då fick han tjänstgöra i Europa. Han arbetade som grafiker, dekoratör och illustratör. Hans första egna utställning var 1951 i New York. Från 1960-talet så har Lichtensteins tavlor funnits överallt i världen. Hans tavlor har varit i USA tex i Solomon R. Guggenheim, Tyskland, England i Tate Gallery i London och I Schweiz i Kunsthalle i Bern och många fler.

Hans första och ända syskon var hans syster Renée som blev född 1927 17 december. Han gifte sig med Isabel Wilson och fick 2 söner David Hoyt Lichtenstein och Mitchell Wilson Lichtenstein. Isabel och Roy tog skilsmässa 1967. Han gifte om sig med Marries Dorothy Herzka 1 november, 1968.

Roys sätt att arbeta
Han använde sig utav olika stilar för att få fram sin konst. Ibland kunde det vara roliga målningar eller även allvarliga. Han använde sig utav tidningar och serier och texter, olika oljefärgstilar och grafik, Hans målningar speglar lite av hans liv.

Jag tycker att konstnären Roy Lichtenstein är en bra konstnär eftersom att hans konst på något sätt har mer med samhället att göra så jag tror då att det är därför att popkonsten har alltid varit känd och för att det finns inga värderingar bakom själva porträttet för det kan vara vad som helst som Lichtenstein har utgått från när han gör konst.

Roys arbeten
Han har gjort tavlor som: Thinking of Him (9999), Girl with Hair Ribbon (1965), Kiss V (1964), Whaam ! (1963), Drowning Girl (9999), Whaam! (1963), bland annat.

Hans konst står idag på Guggenheims museum i New York. Rot Lichtenstein gjorde en serie med olika kända konstnärers målningar som t.ex Pablo Picasso, Henri Matisse och Claud Monet. Han gjorde en liknande sak ett år innan han dog, det var en serie på kinesiska landskapstavlor år 1996.

Tavlor:
http://www.artinthepicture.com/artists/Roy_Lichtenstein/paintings.php

http://eu.art.com/asp/display_artist-asp/_/crid–79/Roy_Lichtenstein.htm?ui=C910369A05E4438DB32C3BFF5A23FFB7

Surrealism

av Elin Johansson Es3a

Inledning

Jag har valt att arbeta med
surrealism, eftersom jag tycker att det är en intressant och mycket vacker
konstform. Efter att ha forskat lite i surrealismen och vad den innebär, dök
namnet Frida Kahlo upp och jag bestämde mig för att även fördjupa mig i hennes
konst. Jag har hittat information på Internet och även sett den biografiska
filmen om henne och har bildat en någorlunda tydlig uppfattning om hennes liv
som konstnär.

Surrealism

Surrealism är en konstform
som grundades i Frankrike på 1920- talet av André Breton och den spred sig
mycket snabbt över resten av västvärlden. André Breton själv beskriver surrealismen som:

”Ren psykisk automatism, med vars
hjälp man söker i tal, skrift och på annat sätt återge tankens verkliga
funktion. Det innebär tankens diktamen under frånvaron av all förnuftskontroll
och alla estetiska och moraliska avsikter. ”

Automatisk skrift; att snabbt skriva ner sina tankar så fort de poppade upp i hjärnan.

Lite svårformulerat, tycker jag
att det är, men jag tror att det han menar är att det är som att man liksom stänger av medvetandet och
släpper fram det undermedvetna. All moral, allt förnuft ska bort för att ge
utrymme för tankarnas verkliga funktion. Det som även kännetecknar surrealismen
är att den inte föreställer något verkligt motiv, utan återger t.ex. drömmar
och fantasier.

Surrealismen har ingenting med stilen att göra, utan syftar på motivet och inställningen att vilja fånga en verklighet bortom verkligheten, en sorts öververklighet.

Frida Kahlo

Frida växte upp i Mexico i en
liten by utanför Mexico City i ett fint hus tillsammans med sina föräldrar och
sina två systrar. Familjen hade tjänstefolk som passade upp på dem och de tre
systrarna uppfostrades med katolsk anda, eftersom deras mor var djupt troende.
Fridas pappa jobbade som fotograf och detta kan ha varit en del av anledningen
till att Frida Kahlo utvecklades till konstnär.

När Frida var 18 år tog hennes liv
en våldsam vändning. I en trafikolycka där hon befann sig i en buss skadade hon
sig så svårt att hon låg medvetslös i flera dagar. Hon bröt flera olika ben i
kroppen och fick ha gips över mer än halva kroppen. Detta gjorde att Frida fick
lov att ligga till sängs under en lång tid och det sägs att det var ungefär då,
som Frida började måla. Hennes pappa gav henne ett stativ som hon kunde ha hos
sig i sängen och försedde henne med målardukar allt eftersom målningarna växte
fram.

Man trodde att Frida skadats så allvarligt att hon aldrig mer skulle kunna gå, men Frida var envis och lyckades ändå, dock efter en lång tid, gå på benen igen. Hon träffade kvinnotjusaren
Diego Rivera, även han en konstnär som jobbade mycket i hennes hemstad. Han var
mer än 20 år äldre än henne och trots att hon visste att han var en
hjärtekrossare, men blev ändå kär i honom och de bestämde sig för att gifta
sig. Tyvärr var det inget lyckligt äktenskap som väntade dem. De var ständigt
otrogna mot varandra och några barn kunde de inte heller få, på grund av de
permanenta skador Frida fått efter trafikolyckan.

Från början målade Frida mest
porträtt, både av sig själv och av andra. Hon ska ha målat ungefär 65 stycken
självporträtt, där hon uttrycker sin personliga smärta. Sedan övergick det till
mer surrealistiska målningar som kunde vara alltifrån mjuka och vackra till hårda
och groteska. Det Fridas målningar hade gemensamt var att de alla talade om för
betraktaren hur hon kände sig.

Frida fick sin första separata
utställning 1938, alltså när hon var 31 år. Utställningen ledde till att Frida,
som förut mest stått bredvid sin make, Diego, i hans berömmelse blev mycket
omtyckt. Men med tiden som hon blev mer och mer populär blev hon också mycket
sjuk. När hon till slut fick sin helt egna utställning i Mexico, en utställning
som hon drömt om, var hon så sjuk att hon var uppmanad att inte lämna sängen.
Envis som hon var, lät hon därför frakta hela sängen med henne i till
utställningen där hon blev välkomnad med förtjusning av åskådarna. Kort därpå,
år 1954, dog Frida Kahlo 47 år gammal.

Surrealismen idag

Jag skulle inte säga att
surrealismen har dött, för när en konstart väl har uppkommit finns den alltid
kvar någonstans. Däremot skulle man nog kunna säga att surrealismen ligger i
dvala. Surrealism är kanske inte vad man hittar på ett museum med modern konst,
men om man vill gå på en surrealistisk utställning så finns bland annat
Salvador Dahli och André Bretons tavlor kvar på olika museer.

MY FAIR LADY

av Christy Kallbäck Es3A

Julie Adrews (Mary Poppins 1964, Sound Of Music 1965), spelar huvudrollen Eliza Dolittle i musikal uppsättningen My Fair Lady 1956.
Julie Andrews (Eliza Dolittle)
När den senare skulle göras till film 1964 trodde man att Julie även där skulle få rollen som Eliza men så blev det inte. Julie var nämligen så pass impopulär att de inte kunde ha med henne så Audrey Hepurn fick rollen istället.
Audrey Hepurn (Eliza Dolittle)
När det var dags för Oscar nomenering för bästa skådespelare blev Audrey nomenera för Eliza och Julie blev nomenerad för rollen som Mary poppins. De flästa trodde ju på Audrey för att hon var mer känd, men inte! Julie fick sin första Oscar för Disney produktionen Mary Poppins!

Handling.
Man kan nog säga att My Fair Lady är en hel del om jämlikhet mellan olika samhällsklasser . Det är om den fattiga blomsterflickan Eliza på de engelska torgen. Filmen handling börjar då några fina karlar diskuterar om hur man kan höra vart de är ifrån och om man är rik eller fattig genom att höra deras utal och dialekt på det engelska språket, mitt i allt sjungande om de engelska språket så slår en av karlarna Mr Higgins vad om att han kan göra om den ovårdade blomsterflickan med dåliga utalet till en vacker dam med klart och tydligt språk så att ingen skulle märka att hon varit en fattig blomsterflicka på Englands gator och torg, under en viss tid. Den här mannen är nämligen studerande och lärare i det engelska språket och uttalet.
Den Lilla blomsterflickan det vill säga Eliza vägrade i början men ändrade sig sig sedan och blir lärling för honom. Stora motgångar under en lång tid härskade runt dem. Men så plötsligt med hjälp av några choklad praliner vänder allt! Eliza blir i tid den där fina och präktiga överklassdamen med helt rent englesk uttal.
Men ska hon sedan kunna gå tillbaka till den lilla blomsterflickan efter allt rikamans liv hon fått lärt sig leva med?
Hon har ju blivit väldigt hemmastad hos sin lärare men allt det här var ju trots allt ett ”vad”…
´Några kända låtar är Bla ”Wouldnt it be lovely?”
och ”I could have danced all naight!”

Själva musikalen har utvecklat en hel del. Med både teknik och teatermässigt.
Förut fick exemplevis inte svarta och vita hudfärgade spela i samma musikal, karakterer och hanling var väldigt lamt men nu har fått en större och viktigare roll.
Dansare var inte för sig som det kan vara nu att vissa dansar och andrar dansar och spelare teater samt sjunger.
Framför allt har tekninken inom musikalen utvecklats. Nu har man ett oerhört stor utbud med olika ljus flera saker som gör att ljud når fram och låter bättre för publiken , förut var det en stor orkester som fick sköta ljuden , nu kan man ha en mindre orkester och med hjälp av förstärkare få det bra endå man kan till och med spela saker ”play back”.

THE SIMS

av Hanna Frisell Es3a

Under det här arbetet med att ta reda på fakta om och presentera The Sims har jag fått möjlighet att riktigt begrava mig i ett av mina favoritspels hela existens – vilket är fantastiskt. Det finns få saker som gläder en nörd så mycket som att få tillåtelse att på skoltid gräva ner sig i ett av sina favoritområden.

Arbetet har varit väldigt givande, även om väldigt lite av den information jag fått tag på har varit ny för mig. Bland annat har jag fått reda på lite mer om spelets själva tillkomst och ursprung, fått läsa artiklar om andra spelare och hur de spelar TS, och fått reda på marsvinssjukans ursprung. Mycket matnyttig, slumpmässig information, som säkert kan säkra mig en vinst i Trivial Pursuit någon gång.

Mest av allt har jag fått chansen att reflektera över mitt största favoritspel någonsin. Vad i spelet gör att folk tycker så mycket om det, att jag är ett så stort fan av det? Varför har man låtit ett skelett i svart kåpa med lie i handen symbolisera döden? Vad är realistiskt och inte i spelet?

Det är lite av en revolution för mig att aktivt fundera över de här frågorna eftersom jag spelat TS ända sedan det släpptes i Sverige, och fortfarande spelar det, även om det numera är The Sims 2. Jag äger alla spel utom ett till båda versionerna, flera prylpaket, och har varit medlem på det svenska thesims-forumet i över fyra år – så en stor del av magin i spelet har blivit något av en vardag för mig. Jag vet ungefär vad som händer eller kan hända i de flesta situationer, jag vet hur jag ska göra för att klara ut olika problem som kan uppstå, och jag vet hur jag kan styra spelet till att bli så som jag vill. Därför tror jag att det här arbetet har varit bra för mig, också på ett rent själsligt plan, för det har givit mig lite av den ursprungliga fascinationen tillbaka.

Det är något jag är väldigt glad över.

The Sims är en simulator, en lekplats för kreativiteten. Du kan spela det hundratusen gånger utan att det en enda gång är exakt detsamma, och det är väl däri som dess oövervinnliga styrka ligger. På den här punkten skiljer sig The Sims från så gott som nästan alla andra spel, där det allt som oftast finns ett mål att uppnå eller åtminstone olika hinder att övervinna. De här hindren brukar inte förändras utan är statiska, för evigt, och det gör att när du väl har klarat ut dem en gång så är det inte lika spännande nästa försök. Hur det känns efter tio spelomgångar, eller tjugo, vill jag inte ens föreställa mig.

I The Sims däremot, är det alltid problem eller hinder av något slag, men sällan uttalat. Det är du som bestämmer om du vill att din sim ska befordras på jobbet, om barnen ska läsa läxor eller inte – allt är upp till dig. Även om du väljer att inte acceptera utmaningarna, så kommer det konsekvenser, vilket ger nya situationer att spela ut. Det är detta som Will Wright, The Sims pappa, tror är det som gjort att så många tjejer spelar just The Sims.

”To start, I think women are much more discriminating in general than men in their choice of entertainment experience,” he said. ”Men will do the same stupid thing over and over again and be happy. Women tend to want a more complex, creative experience. And The Sims appeals to that.”

Ytterligare en anledning till varför The Sims blivit så populärt bland tjejer kan vara att det påminner om att leka med dockor, något som barn gjort sedan urminnes tider men som på senare tid kommit att mer och mer koncentreras till flickor. Detta kan bero på att pojkar oftare vill ”ta på sig” en roll och leva ut den, snarare än att styra den ovanifrån, enligt en professor.

Att spelet dessutom är väldigt interaktivt kan också vara bidragande. Du skapar simmarna och deras hus, sätter gränser och bestämmer deras liv – varje spelminut är full av beslut. Flera sinnen används på samma gång: händerna som styr spelet, ögonen läser textrutor och tolkar situationer tillsammans med musiken och bakgrundsljudens hjälp. Det gör spelupplevelsen till en mer engagerande underhållning än till exempel att titta på TV.

Men förutom underhållningsvärdet och att spelet stimulerar kreativiteten, så finns det många fler fördelar att åtnjuta för den som spelar The Sims.

Spelet ger en överblick över vår värld som den är ”på riktigt”, och är alltså en simulator för vårt vardagsliv. Flera professorer menar att The Sims ger barn förståelse för relationer, men också att det är ett sätt att ta reda på vem man är och hitta sin egen identitet. Språklig utveckling, att förstå sig på hushållsekonomi och att se sambandet mellan orsak och verkan är andra fördelar som spelet ger.

Hur stor behållning man får utvecklingsmässigt, beror naturligtvis på i vilken ålder man börjar spela. Jag tror exempelvis att min brorsdotter, som är åtta år och har börjat spela The Sims rätt nyligen, kommer att lära sig mer ur spelet än jag gjorde då jag började spela som elvaåring. Ändå är jag fast övertygad om att alla som spelat The Sims, om så bara några gånger, har lärt sig något och fått ut något av det.

Genom åren har mycket hänt i TS-världen. Det allra första spelet släpptes till PC i början på 2000, sedan kom expansionpacks och även spel till andra konsoler. Releasen av The Sims 2 kom i september 2004, vilket ledde till fler expansionpacks och prylpaket, och fler konsoler har fått TS-spel, och härnäst kommer The Sims 3, som släpps över hela världen 4 juni i år.

Förutom alla spel som släppts, och som sålts i över 100 miljoner exemplar, finns också ytterligare kretsar runt fenomenet The Sims. Vi pratar här om Internet som länken mellan din dator hemma, och miljontals spelare världen över. Via internetforum som exempelvis thesims.se kan man diskutera spelet, delta i tävlingar, be om hjälp om man hamnar i svårigheter, ladda hem hus som andra byggt, nya föremål eller nya skins (hårstilar, hud- och ögonfärger, kläder) – helt lagligt. Vissa sidor är gratis, på andra måste du vara betalande medlem för att ta del av härligheterna.

Dagböcker är ännu ett sätt att visa upp ditt spelande – en novelliknande berättelse med bilder tagna ur ditt spel. Det kan handla om vad som helst – du bestämmer. Att göra musikvideos med hjälp av kända låtar och videoklipp från ditt TS-spel är ytterligare ett sätt att visa upp sin spelstil, något som uppstod efter att TS2 släpptes med sin videofunktion, och man kan hitta mängder med videos på sajter som exempelvis YouTube.

Det här är bara några kulturfaktorer: simmarnas eget språk och musiken i spelet är ytterligare två. Simmarna har ett eget språk, simlish, som är en blandning av engelska, tyska, spanska, najavo, tagalog, ukrainska och rent nonsens. Musiken i spelet är klassiska godingar och moderna hits som exempelvis ”She’ll be coming round the mountain”, ”Don’t cha” och låtar av bland annat Black Eyed Peas, Barenaked Ladies, Depeche Mode och Natasha Bedingfield. All musik är översatt till simlish.

Tröttnar man på att spela enligt reglerna finns en handfull fusk som kan såväl underlätta som försvåra simmarnas liv, och vill man göra det svårare för sig själv finns en uppsjö av utmaningar att klara av. Vad sägs till exempel om Dice Challenge – där allt i spelet styrs av tärningen?

Varför väljer man då att spela The Sims? Vad är det som får en att fortsätta slå sig ner vid datorn, gång på gång, i flera år? Säkert varierar svaret beroende på vem man frågar. Ett spelinnehåll som ständigt förnyas är kanske en del av svaret, och The Sims tilltalar spelarnas egen kreativitet och skaparglädje. Det kan formas att se ut nästan precis som man vill, även om det från början är grundat på typiskt västerländsk kultur. Tack vare spelets utformning finns det alltså inga hinder för ett multinationellt spelande, särskilt inredningsmässigt. Du kan skapa din egen verklighet som den ser ut just för stunden, ditt alternativa liv, din framtid eller något helt annat. I spelet har man kontroll.

Den största anledningen till att spelet kan förtrolla så många tror jag emellertid är att spelet är en extraordinär verklighetsflykt. Många former av kultur ser jag som en flykt från verkligheten. Man kan genom en bok, film eller musik ta sig till en annan värld. The Sims har tagit ett steg till och gått förbi flyktstadiet – här inte bara befinner du dig i en alternativ verklighet, du skapar den.

Jag anser att The Sims uppmanar till problemlösning och självständigt tänkande, det tvingar en att ta itu med problem som inte alltid har direkt koppling till en själv men som man kan ta med sig tillbaka till det verkliga livet. Flera av spelets problem är av moraliskt slag, en modifierad version av världen utanför datorn: det kan till exempel handla om en situation där simmen tvingas välja mellan att rädda en utrotningshotad art eller tjäna mycket pengar.

Kanske är det på grund av detta som The Sims kan upplevas som olämpligt och direkt farligt för barn och unga; risken i att låta dem ta ställning i ”vuxna frågor” och utveckla förmågan att se sin egen situation utifrån som kan komma ur TS-spelande. Detta ser jag kan vara en bidragande orsak till att spelet förbjöds i Kina 2005, tillsammans med ett femtiotal andra spel, av vilka flera är typiska ”våldsspel”. The Sims innehåller i sig självt väldigt lite våld och väldigt censurerad nakenhet/sexualitet – dessa två är dock nog för att spelet ska räknas som ett ”för spelare över tolv år”-spel i Sverige, men då ska man också ta med i beräkningen att PEGI-systemets övriga parametrar (svordomar, droger, diskriminering, skräck samt spelande) inte återfinns i The Sims över huvud taget. Därför finns, som jag ser det, ingen annan anledning till att förbjuda spelet, än för dess i mina ögon, positiva egenskaper och bieffekter.

Sammanfattningsvis kan man säga att The Sims är inlärning, underhållning och förmedlare av kultur. Dessutom når spelet ut till många, och når olika människor på olika sätt eftersom spelet ändras efter vem som spelar det. Vare sig man spelar för att inreda hus eller för att tvinga in sina simmar i extrema situationer så finns möjligheten där. Det går att variera i oändliga konstellationer och det enda som sätter stopp är din dators prestanda och din egen kreativitet.

Skapat som det är med få begränsningar och en fin blandning av det realistiska och det övernaturliga, med alla fina detaljer och oslagbara spelidé, så anser jag att The Sims är ett i många aspekter unikt spel, som jag har svårt att tro har lämnat någon oberörd som spelat det.

Andy Warhol

Av Erica Nordström Es3a

Andy Warhol föddes 1928 i Pittsburgh; Pennsylvania.
Han kom från början från en liten familj med tajt ekonomi och litet boende, där tillsammans med sin far, mor och två syskon.
När Andy väl började skolan, ville han göra någonting annorlunda. Redan från tidig ålder var Andy Warhol väldigt begåvad när det gällde att se konsten på ett framhävande och modernt sätt. Han ville inte göra någonting vanligt, utan ville med enkla knep förvandla konsten till någonting fascinerande. Han kunde dessvärre inte ana, att han skulle bli en av dom första som skulle upptäcka och framhäva popkonsten.
1950 dök popkonsten upp i England, där den bidrog till stort intresse bland konstnärerna. Först var reaktionen till popkonsten väldigt orealistisk och togs nästan lite kommersiellt.
Men det popkonsten visade, var tvärtom.
Istället för att markeras som orealistisk, gjordes konstverken så realistiska och verkliga som de kunde göras, ibland med olika motiv, ibland med intressanta vinklar eller motiv.
Popkonstens syfte var att få betraktaren att inte märka av konstnären bakom motivet; Att inga värderingar eller synpunkter existerade bakom konstverket.

Konstnärerna hämtade ofta motiv inifrån vardagens symbolik.

Elvis Presley,
Rockn roll!
Andy Warhol’s favorit.
Marilyn Monroe. Konstens gudina

Efter några år spred sig popkonsten ända från England till USA. Där det under 60 talet blev storslaget! En av de första som blev imponerade av popkonsten var just Andy Warhol.
Han tyckte detta var fantastiskt fascinerande och började därför lyssna och titta på allt han kunde komma åt när det gällde bilder från Hollywoods stjärnor. Han samlade alla sorts bilder på dåtidens berömda människoansikten och därifrån målade av dem, precis så som dom såg ut; i olika färger och vinklar. Detta blev en stor succé, han inledde sin väg in i branschen som reklamtecknare.. Stiliserande och framhävande för omvärlden.
De största och mest betydande verk han gjort, var bilden på Marilyn Monroe och Coca Cola burken. Där det moderna och impulsiva framhävdes i dess nutida konstverk.
Andy levde ett väldigt äventyrslikt liv, vilket gjorde att han 1968 blev skjuten i bröstet av den feministiska ledaren Valerie Solanas. Med tre skott, varav två missade. Därefter det tredje skadade hans mjälte och lunga.
Valerie Solanas blev dömd för mordförsök och fick tre års fängelse,
Andy återhämtade sig aldrig riktigt från skadorna, och avled 1982 i New York, i Form av gallblåsproblem och inre skador.

Andy Warhol drev popkonsten till något stort och enastående, och hans kända verk av Elvis, Marilyn Monroe, Coca Cola, Elisabeth Taylor, Jackie Kennedy, Cambell`s Soup Can blev några av de främsta konstverken i vår tid.

Andy Warhol var även intresserad av postmodernism, vilket innebar att man strävade efter någonting nytt. Istället för att fastna för modernismen, så ville man sträva längre och ansåg att det inte fanns fasta värden. ”Några av de viktigare inslagen inom postmodernismen var kritiken mot äkthetsbegreppet, genibegreppet och kvalitetsbegreppet. Kritiken mot dessa begrepp innebar att man friskt började låna ur konsthistorien och konstnärer började också arbeta med kulturyttringar som tidigare setts som att de hade ett lägre kulturellt värde som exempelvis kitsch, pornografi och mode.”( Wikipedia)

Den som intresserade sig av postmodernismen målade ofta ironiska plakat eller planscher, med mycket färg och romantik, det hade väldigt stora ramar, och kunde på många håll

betraktas som elektronisk.

Graffiti

Av Victoria Wallner Es3a
Grafitti står för ristning och skriva, en kommunikation i form av namn, enkla symboler, kärleksförklaringar och budskap
Begreppet graffiti användes först av arkeologen Raphael Garrucci år 1856 för att skilja ut folkliga, spontana inskriptioner från officiella på antika monument.
Spraykonsten utvecklades under 1970-talet av ungdomar i USA med bestämda uppfattningar och beteenden som skiljer dem från den större kultur som de är en del av. Illegala former gör oftast tags, throw-ups och pieces eller bilder som innehåller något av dessa formelement, huvudsakligen med sprayfärg på till exempel murar och tåg.
Människor som är mer positivt inställda till Grafitti är inte så öppen för klotter, eftersom det är viktigt för dem att målningen har ett konstnärligt syfte. klotter är att skriva och rita slarvigt och klottermålarna bedömer mer om målningen är placerad legalt eller illegalt
Spraykonst

Modern graffiti kan definieras som spraykonst och Tags-Throwups-Pieces.
Och här har jag tagit fram bilder och beskrivit lite kort om dem
Modern graffiti kan definieras som spraykonst och Tags-Throwups-Pieces.
Och här har jag tagit fram bilder och beskrivit lite kort om dem

Detta är en Grafittimålning kallad Piece som är en förkortning av masterpiece. Vanligen med en bokstavsbild i wildstyle i centrum, flankerad av tecknade figurer, med bakgrund och signatur, systematiskt utförd i flera lager av olika färger, gärna också med en så kallad outline runt bokstavsbilden.

Detta är en throw-up och är en något större sådan bestående av en ytterkonturlinje och med högst två färger.
Disey och Merley (Liam Norberg), tre av de första graffitimålarna i Sverige, samt
Slutligen en tag som är en mindre, enfärgad, kalligrafiskt(konsten att skriva vackert) utformad spraysignatur

Tiden vid1970-71 växte en massrörelse upp kring tunnelbanan, där målet var att bli ”King” av alla tunnelbanelinjer. Man kunde även kalla sig king om man behärskade en viss stil som var unik eller om man var mest aktiv på att få upp sin signatur genom att ”bomba” (skriva sin tag flera gånger på så många ytor som möjligt). Under konkurrens experimenterade man med färg, form, stil och format. New Yorks tunnelbana förblev ”en rullande konstutställning” fram till 1989, då en viss minskning av tågmålandet kunde märkas. Man gav sig på gatorna istället och hela städer var nästan helt bombade under denna tid. Från 1990 blev spraycan memorials vanliga i New York, och 1994 startade Art Crime], den första och största webbplatsen om graffiti. Under 2000-talet blir spraykonsten allmän i hela världen.

whole-car eller The freedom train?
Spraykonsten i Sverige
Till Sverige kom spraykonsten runt 1984, bland annat genom filmerna Style Wars och Wildstyle. Boken Subway Art och utställningen ”New York Graffiti” på Louisiana i Danmark samma år bidrog också. Det riktiga genomslaget för den svenska graffitiscenen inträffade då filmen Stockholmsnatt visades för första gången på biograferna. I filmen medverkade Ziggy, Disey och Merley (Liam Norberg), tre av de första graffitimålarna i Sverige, samt breakdansgruppen Bezerk. Disey, Ziggy, Demon, Zappo och Puppet hörde till de tidigaste målarna i landet.
Några graffitigrupper som på senare tid varit betydelsefulla för graffitiscenen i Sverige, främst genom deras stora medverkan i svenska graffitifilmer, är NFC,VIM, WUFC,och PMS.
Ett flertal utställningar av graffiti på duk har hållits genom åren; en av de största var The Arrow som ingick i Kulturhuvudstadsåret i Stockholm. En nationell vandringsutställning Konst på Burk turnerade 1993-98. Vidare har flera böcker skrivits, ett antal filmer spelats in och specialtidskriften Underground Productions utkommer sedan 1 Tiden vid1970-71 växte en massrörelse upp kring tunnelbanan, där målet var att bli ”King” av alla tunnelbanelinjer. Man kunde även kalla sig king om man behärskade en viss stil som var unik eller om man var mest aktiv på att få upp sin signatur genom att ”bomba” (skriva sin tag flera gånger på så många ytor som möjligt). Under konkurrens experimenterade man med färg, form, stil och format. New Yorks tunnelbana förblev ”en rullande konstutställning” fram till 1989, då en viss minskning av tågmålandet kunde märkas. Man gav sig på gatorna istället och hela städer var nästan helt bombade under denna tid. Från 1990 blev spraycan memorials vanliga i New York, och 1994 startade Art Crime], den första och största webbplatsen om graffiti. Under 2000-talet blir spraykonsten allmän i hela världen.

Samhällets syn på graffiti

Graffiti på Berlinmuren 1986, dock inte med sprayfärg.
Samhället uppmärksammade knappast graffiti före 1970-talets början, då amerikanen Robert Reisner populariserade begreppet. Inställningen var att fenomenet var ganska oförargligt eller rent av roande. Graffitin höll sig också ofta om än inte alltid i skymundan. I och med att den blev allt synligare på offentliga platser polariserades åsikterna huruvida det rörde sig om konst eller vandalism. Många menade att det var både och, och att graffitikonstnärerna därmed måste hitta legala sätt att uttrycka sin kreativitet, precis som andra konstnärer.

Nolltolerans
Motreaktionerna mot graffiti uppstod först i Philadelphia och New York på 1970-talet där städernas borgmästare ”deklarerade krig” mot fenomenet som ett led i sina valkampanjer. Hållningen är dock inte okontroversiell: det har förekommit protester mot nolltolerans och vad kritiker uppfattat som överdriven graffitisanering, såväl i New York som på flera andra platser i världen.
År 2002 ansåg Sveriges ungdomsminister Lena Hallengren och Stockholms kommun att ”nolltoleransen har misslyckats” och att samhället nu måste kunna skilja på att ”graffiti är konst, klotter är skadegörelse”. Man började därefter på vissa platser att se sig om efter andra bekämpningsmetoder. Sedan 2006 har dock Stockholm infört en sträng policy mot klotter – allt klotter som upptäcks ska polisanmälas, fotograferas och saneras inom 24 timmar. Detta har även inneburit att antalet åtal för klotter i Stockholms län har ökat kraftigt, från 506 stycken 2006 till 806 stycken 2007.
Vissa debattörer menar dock att förekomsten av graffiti uppmuntrar till ytterligare skadegörelse och argumenterar därför för att nolltoleransstrategin är viktig.

Lagliga Väggar

aglig graffitivägg i Münster
Ett annat sätt att tackla problemet har varit legala graffitiväggar, graffitiskolor och utställningsverksamhet. Syftet är här inte att få graffitin att försvinna utan mer att begränsa skadeverkningarna, så kallad ”harm reduction”, samt att aktivt stödja den konstnärliga komponenten. Ett inslag i metoden är att man vill etablera en dialog med ungdomarna i graffitikulturen. För närvarande existerar ett trettiotal lagliga graffitiväggar runt om i Sverige.
Exempel på städer som försökt bli mer eller mindre fria från klotter och illegal graffiti genom att införa legala graffitiväggar, graffitiskolor och utställningsverksamhet är Norrköping i Sverige och Brügge i Belgien. I Norrköping arbetar man med klotterväggar och att bejaka hip-hop-kulturen, men säger samtidigt att ”vi tolererar inte målning på väggar, spårvagnar, tunnlar och annan egendom. Klotter är en kriminell handling och ska beivras enligt den lagstiftning som finns på området.” I Brügge har de legala väggarna (Art Zones) kompletterats med en hård attityd mot illegal graffiti. Brügge fick European Crime Prevention Award 2001 för denna sin insats.
I graffitidebattens spår har också andra frågor aktualiserats som konstens, ungdomskulturens och reklamens roll i det offentliga rummet. År 2002 sade den svenska kulturministern att ”Jag tror inte på batongmetoderna. Graffiti är ingenting som några politiker kan döda genom att föra krig. […] Ett av de viktigaste kulturpolitiska målen som fastställts av riksdagen är just att verka för yttrandefriheten.” Den lagliga vägg som funnits längst, sedan 1983, är den på P-huset Anna i Malmö.
Det finns exempel där den illegala mängden klotter tenderar att öka, trots att det finns legala utrymmen för graffiti. Till exempel i området kring Röda sten i Göteborg och i Västerås. En del kommunalpolitiker anser att det inte är samhällets sak att uppmuntra till något som i huvudsak inte är tillåtet utan orsakar stora kostnader för skattebetalarna.
Den amerikanske sociologen Devon Brewer är en forskare som särskilt sökt jämföra olika bekämpningsmetoder ur flera olika perspektiv. Efter att ha gått igenom och jämfört traditionella strategier med alternativa sådana, säger han att: ”Den lagliga metoden förser ungdomarna med nya möjligheter, och inte bara det: den har också potentialen att vara ett kostnadseffektivt alternativ till traditionella anti-graffitimetoder.”

Man förtjänar böter om man målar väggar med graffiti,
men den som har cash kan klistra budskap på alla väggar i hela city.
Och då är det inget gnäll om allmän egendom,
för folk föredrar smala nakenmodeller, så fort dom ser sig om.

graffitimålning uppfattas de ofta som skadegörelse. Oftast har den som signerat området med taggen ett nick (smeknamn) för att själv också vara halvt anonym.
heller inte är så aggressivt som freon. Graffitimålarna använder oftast andningsmask. Bland populära spraymärken idag kan nämnas tyska ’Montana’, spanska MTN (även kallad Spanska Montana på grund av en namntvist med tyska Montana), samt Belton.

Mina egna åsikter
Jag har alltid gillat Grafitti om det varit ”Snygga” målningar. Med det menar jag en målning som det lagts ner tid på, mycket knepiga mönster och färg. Jag tycker även att det ser väldigt bra ut när tunnelbanor tåg och väggar är fyllda med grafitti, jag gillar det skarpt. Det pryder liksom upp väggarna och det ser mer inbjudande ut. Sen tycker jag även att dem flesta grafitti målarna är oerhört duktiga jag förstår inte hur dem kan måla så fantastiskt snyggt. Det kan ju inte vara lätt att fylla i med sprayfärg så träffsäkert dem dem gör!
Detta med att det är olagligt att göra dessa målningar offentligt stör mig ärligt talat lite, visst det är klart att hela Sveriges byggnader mm inte ska vara täckt av grafitti, men just detta med att det är illegalt på dem flesta ställen gör dem ju bara mer sugna på att måla på just dem. Det är ju en lite svår situation, men jag stör mig inte på dem schyssta målningarna, det är ju konst!

Om Modern dans

Av Sabina Irvin Es3a

Modern dans eller fridans (samlingsbeteckning på en rad dansstilar) är den dansstil som legat i stor fokus och främst stått för dansens utveckling under 1900-talet.
Det var några Europeiska dansare som började med den moderna dansen, genom att bryta balettens strikta regler och linjer. De lade undan korsetten och tog av tåspettsskorna.
Man ville använda kroppen på ett annat sätt, mer naturligt med hjälp av tid, rum, golvkontakt osv. Man ville ge budskap och mening genom rörelserna, gestalta känslor både vackra och sorgsna. Detta var något som absolut inte hörde hemma i balettens värld.

Man förknippar modern dans med avslappning och spänning, hårt och mjukt, ”tyngd” och mycket golvkontakt. Många kan tycka att den här sortens dans är konstig och svår att förstå sig på när man kollar på den, andra ser den som konst.
Hur ser du den moderna dansen?

Under Modern dans idag hittar vi detaljerade tekniker som är i fokus på att visa olika delar, som kroppens former, rörelsernas kvalitet eller dansarens upplevelser.
Många rörelser lånar man från andra stilar som till exempel, balett, jazz och Street. För att sedan göra dom mjukare, kanske mer flytande eller större och mer uttrycksfulla.

Pardansen har också utvecklats till någonting man kallar modern dans. Men inom pardansen är inte modern dans en speciell dansstil. Man tar däremot en stil där man dansar i par och ”gör” den modern, genom att göra rörelserna mer behagliga, naturliga osv precis som man gör i fridans.
Gammal pardans är mer strikt precis som jag nämnt tidigare, där använder man sig av balettpositioner. I modern pardans har kroppens rörelser mycket större betydelse än i gammal. Man kan säga att benen bara följer med medan resten av kroppen gör allt jobb. I gammal pardans är det benen som gör allt jobb och resten av kroppen som ”bara följer med”.
Gåsteg inom den gamla pardansen gör man genom att tån leder rörelsen, i den moderna dansen leder hälen, precis som när man går vanligt. Och där av blir rörelsen mer naturlig. Gör man gåsteg i snabbare tempo leder tån även i modern pardans, precis som när man spring så även där blir rörelsen mer naturlig.
Man använder även musiken annorlunda i gammal – modern pardans. I den moderna pardansen kan man leka med musiken, börja dansen var man vill i låten. I gammal pardans börjar man på första takt. Dansen är uppdelad i ett speciellt antal takter och följer alltid samma turer.

Betydelsefulla personer för den moderna dansens utveckling
under 1900-talet

Isadora Duncan
Amerikansk dansös, 1878-1927.
Hon blev berömd för sina utmanande och nyskapande dansnummer.

Martha Graham
1894-1991, amerikansk dansös och koreograf.
Martha har varit väldigt betydelsefull för den moderna dansen.
När hon levde hade hon en egen dansskola, Martha Graham School of Contemporary Dance i New York.
Marthas inspiration kom från den svenska dansaren, Ronny Johansson, som besökte den skolan som Martha studerade på.
Hon utvecklade en egen dansteknik som byggde på de rörelser som ingick i henne koreografier.
Grahamstekniken fokuserar mest på att stärka center (bålen) och ingår nu i de flesta moderna dansares träning.

Rudolf von Laban
1879-1958, var en ungersk dansare, dansteoretiker och koreograf. För att nå den moderna dansen utgick Rudolf från balettens strikta regler, precis som Isadora Duncan gjorde.

Birgit Cullberg
1908-1999, svensk koreograf.
Utsågs 1960 till regissör och koreograf vid Stockholm statsteater.
På 1960-talet blev hon världsberömd med Cullbergbaletten, vars dansgrupp senare togs över av en av hennes söner, Mats Ek.

Mats Ek
Birgit Cullberg och skådespelaren Anders Eks son. Född i Malmö år 1945, svensk dansare, koreograf och regissör (främst inom teatern, musikaler osv.)
Från 1973 var Mats dansare inom Cullbergbaletten och efter bara 3 år blev han koreograf för baletten. Men han hann göra en hel del koreografier innan också.
Men han har gjort flera dansverk för just Cullbergbaletten, som till exempel nytolkningar av stora klassiker som ”Giselle” och ”Svansjön”.
Han har också gjort dansverk som blivit TV.

Källor

http://Sv.wikipedia.org/wiki/Isadora_Duncan

http://sv.wikipedia.org/wiki/Martha_Graham

http://sv.wikipedia.org/wiki/Rudolf_von_Laban

http://sv.wikipedia.org/wiki/Birgitt_Cullberg

http://sv.wikipedia.org/wiki/Mats_Ek

http://www.studiok.se/kurser/uppsala_studiok_jazzdans_show_funk_danskurser.php

http://hem.passagen.se/lgswartlinger/what_is_dance.html?k

Happenings och performance

Av Emelie Sjöström Es3b
Performance och happenings är framträdanden i form av musik, poesi, teater, dans mm. Performance är inövade uppvisningar, med en driven tes. Oftast är de mycket provocerande och utanför de sociala ramarna. Happenings mer improviserat än performance och vem som helst kan delta. Man kan säga att det är vardagsföreteelser som man vill få andra att reflektera över.
Det finns skilda meningar om det finns någon skillnad mellan begreppen eller om de står för precis samma sak. Vissa nöjer sig helt enkelt med att säga att de betyder precis samma sak.
Performance:
Boet:
På en scen skapar Yingmei Duan ett landskap med hjälp av tio ton avfall, där hon går omkring med en sorgsen blick, vaggar och tittar på besökarna. Bakom en hög med sopor spelade en pianist spröda sånger medan besökarna strövade omkring och plockade och tittade på skräpet; En tub silikon, en häxhatt och gammal porr. I rummet finns även ett barn som viker pappersbåtar och en dirigent i form av en djävul. Handlar om utanförskap, att inte kunna kommunicera och att inte blir förstådd.
Anonym
En man sitter i en buss på väg hem från jobbet. Alla sitter tysta och plötsligt reser han sig och börjar tala till passagerarna. Han berättar om hur ensam han känner sig och hur gärna han skulle vilja träffa en kvinna. Han öppnar upp sig hjärta och säger att om någon tjej inne i bussen känner likadant så kan hon gå av vid nästa stopp så väntar han på henne där utanför. En kvinna på bussen känner sig träffad och när bussen stannar kliver hon av. Till sin förvåning kliver inte mannen av bussen, utan hon ser dörrarna gå igen. Mannen springer fram till fönstren inifrån bussen och ropar till kvinnan:
”Det var ju bara på låtsas, det var ett performance!”
Dr Metabolismus for President is born
Jonathan Messe är konstnären och under framträdandet går han omkring och gör Hitlerhälsningar. Sedan går han och smetar röd färg på väggarna och borstar tänderna med tandkräm rinnande från hakan. Han tar på sig en Hitlermask, sedan en Hulkenmask, sedan en Batmanmask. Han springer runt på scenen och låtsas masturbera mot olika föremål samtidigt som han skriker ”AdooooolfHitlerStalinMussoliniMaoZeDong!”, sprayar sig med blommig damparfym och sniffar gosedjur i rumpan. Hans performance är en parodi på Hitler och hans retorik.

Det är svårt att skilja på begreppen performance och happenings. Kanske för att vi är mitt uppe i dess utveckling. De är båda relativt nya konstformer och ett helt nytt sätt att se på konst. Innan har man sätt konst som något objekt, något att ta på, men som en reaktion på modernismen uppkom en ny tanke. Behöver ett konstverk vara ett objekt?
Happening:
Resan från Stockholm till Skoghall
Istället för att göra den vanliga guidade turen från Skoghall till Stockholm valde en man att göra en parodi på detta, och tog med resenärer från Stockholm till Skoghall. Det fanns inget manus, utan det var improviserat och publiken deltog på ett annat sätt om man jämför med ett performance.

Tatueringskonst

Av Simon Guidoum

Jag har valt att skriva om tatueringar och konsten att
tatuera. Tatueringar är en kroppskonst som går ut på att man tar och ristar in
bläck i huden. Nu vet nog alla att när man tatuerar sig så har man en speciell
maskin. Men förr hade man inte det. Då använde man sig av vässade djurben som
man doppade i bläck och hackade in under huden. Den mest spridda metoden av
tatueringskonsten är den som upptäcktes i Polynesien av James Cooks
expeditioner och spreds vidare över världen med hjälp av alla sjömän. Om man
utgår från Europa nu så va tatueringar mest populärt mellan sjömän och
brottslingar. Det va inte så fint att vara tatuerad på den tiden runt tidigt
1900 tal och framåt.

Tatueringar har ju funnits i flera tusen år i olika
kulturer.

T. ex i Asien så är och var heltäckande kroppstatueringar en
fin konst och tradition. Brandmännen kunde inte använda kläder när det brann
eftersom dem brann upp. Så dem tatuerade mönster i form av kortärmad t-shirt
och kortbyxor.

I Japan är det en manlighets merit att har mycket och stora
tatueringar för det visa att man tål smärta och är man. Kvinnor ska helts va
tatuerade på ryggen, det tar fram nåt snyggt. Men det är inte bara i asiatiska
kulturen. Men den är mest berömd därifrån

Sjömans trenden går i arv än, Många gillar den slags av
konst. Sin kvinnas namn, ett ankare eller pinuppor.

Tatueringar har inte alltid varit så uppskattade som dem har
varit under dem senaste 30 åren. När musiken började bli stor och rock och
metal scenen kom till så hade oftast musikerna tatueringar. Detta ger ju
avtryck i alla om kring och i historien. Annars skulle det inte va lika
accepterat idag. Nu är det vanligare än någonsin, nu har vem som helts
tatueringar. Man behöver inte vara lite ”udda” längre för att vara tatuerad.

Det går ju även moden i tatueringar. Tribal tatueringar är
en trend som kommer och går. Det var som störst runt 90 talet. Svarta streck
som bildar någonslags figur. Trenden som har kommit tillbaka nu som är dessa
tomma stjärnor. Det kommer ju ifrån glamrocken. Och sen har man old school.
Rosor, döskallar, kistor och massa annat.

Sen har man ju lite mera personliga tatueringar. Porträtt
tatueringar på t. ex en familjemedlem som har gått bort, eller porträtt i sig
på typ kändisar t. ex Marilyn Monroe.

Många kvinnor tatuerar sig i ansiktet med smink konturer.
Eyeliner och Amors bågen på läppen.

Även en känd slags konst är henna tatueringar som är att man
målar motiv med en slags klisterfärg som håller en till ett par veckor. Görs
ofta på semestern i varma länder.

Det finns ju även risker med att man tatuerar sig. Det kan
ju vara så att man inte tål bläcket. Nickeallergi. Enligt Socialstyrelsen om
man går för långt under kroppens skydd så kan det bli infekterat.

Manga

av Alexander Jansson Es3b

Manga är japanska serier, och ordet kan bokstavligen översättas till ”Fria bilder.” I Japan läses manga av personer i alla åldrar, medans det i väst läses mest av barn och ungdom.I Japan läser 85—90 procent av befolkningen manga.

Det finns ett stort urval av genrer i manga action, äventyr, fantasy, skräck, sport, historia komedi osv.

Mangan har sina rötter 200 år bakåt i tiden, med den kände målaren Katsushika Hokusai som kallade sina porträttsketcher för manga.

Det har också funnits en tradition att visa karikatyrer i japanska träsnitt, som man massproducerade och distributerade som till exempel reklam för teatrar.

Manga var också en del av modernismens genombrott på 1930-talet och 1950-talet.

Manga är oftast tryckt i svart och vitt, men det finns också manga i färg.

Manga skiljer sig från västerländska serier, även om både väst och öst influeras av varandra.Stora ögon och små munnar är vanliga, men manga tecknas i många olika stilar – allt från mycket enkelt tecknade figurer till mycket verklighetstrogna och detaljerade serier.

Idag uppges 35 % av allt tryckt material i Japan vara manga. Manga ges vanligen ut i magasin på 200 till 850 sidor. Mangaserier ges senare även ut i ett seriebokformat med bättre kvalitet, avsedda att samlas på till skillnad från de billiga magasinen. I Japan läses manga från höger till vänster, precis som det traditionella sättet att skriva japanska.

Mycket lite manga finns idag översatt till svenska. Tillgängligheten på engelska översättningar har mer betydelse. Saker och ting förändrades dock med den svenska Dragonball-utgivningen och nu har manga blivit på modet.

Det finns mång uttryck i manga som berättar vilken typ av manga det är.

Shonen är manga riktat till killar och shoujo är riktat till tjejer.

Dojinshi är manga gjord av amatörer.

Manga öppnades för Europa under 1970-talet.

Manga har fått en utställning i Lousiana i Köpenhamn.

Det finns också många tv-spel baserade på mangaserier och spel med mangastil.
Intresset av manga i väst beror mestadels på att de handlar om ämnen som man är intresserad av och att karaktärerna utvecklas under seriens gång.

Anime är det vardagliga japanska ordet för animerad film.

Det japanska ordet anime är en förkortning av animēshon som är inlånat från engelskans animation.

Anime uppstod som en parallell inom filmen till manga.

Även om barn och ungdomar alltid har varit huvudmålgruppen för animeindustrin som helhet, är det ändå en ganska stor del av utbudet som även eller uteslutande riktar sig till vuxna. Den typen av anime har inte hunnit spridas utanför Asien förrän under 1990-talet.

En enskild animationsstudio som har betytt mycket för animens utbredning i väst är Studio Ghibli vars filmer har blivit mycket populära i både i Europa och USA.

Det har debatterats huruvida anime som lånord bör stavas med accenttecken, som ”animé”.Detta är ett engelskt system för att hindra uttal med stumt slut-e av japanska ord.

Serier som går direkt till video och DVD kallas OVA (Original Video Animation) eller OAV (Original Animated Video).

Anime är oftast sedd som en form av begränsad animering vilket betyder att man lurar ögat att tro att det finns mycket mer rörelse än det egentligen finns.

Johnny Depp

av Sandra Bäckman Es3a

John Christopher Depp föddes i Owensboro, Kentucky den 9
juni 1963.

När han var 12 fick han en gitarr från sin mamma och efter det började han (och slutade)
i ett antal garageband, för att sedan börja i garagebandet ”The Kids”.

Han hoppade av skolan när han var 15 år för att fokusera på sin musikkarriär, men två veckor senare ville han komma tillbaka till skolan. Rektorn bad honom
att hålla fast i sin dröm och det var vad han gjorde. The Kids var ett väldigt
populärt lokalband och åkte iväg till Los Angeles för att få ett skivkontrakt. De ändrade också namn till ”Six Gun Method”, men bandet splittrades innan de
fick ett skivkontrakt. Depp hoppade då in i ett annat band, ”Rock City Angels” och hjälpte dem att skriva låten Mary,
som var med i deras debutalbum.

1983 gifte sig Depp med Lori Anne Allison, som var en make-up artist och syster till bandets basist/sångare. Hon introducerade Depp för Nicolas Cage som i sin tur övertalade Depp att börja med en skådespelarkarriär. Lori Anne och Depp skiljde sig dock 1985.

Depp fick huvudrollen i ”21 Jump Street”, som var en tv-serie under det sena
80-talet. Han tackade ja till rollen på grund av att han inte hade så många
jobberbjudanden. Han blev snabbt en tonårsidol och hans karriär kom igång i rasande fart. Han gillade inte att vara en tonårsidol utan tyckte att det var
ganska obehagligt. Han kom då fram till att han bara ville vara med i filmer
som han tyckte kändes bäst för honom.

1990 började hans långa samarbete och vänskap med filmregissören Tim Burton när han medverkade i filmen
”Edward Scissorhands”. Filmen blev en succé och Depp blev ännu mer populär.

1999 fick Depp en egen stjärna med sitt namn på Hollywood Walk of Fame. Detta var ett tecken på att han var en av alla Hollywoodlegender.

2003 var det ingen tvekan om att Depp var en stjärna och hans stjärnstatus
fastgjordes när han var med i Disneys ”Pirates of the Caribbean: The Curse of
the Black Pearl” och spelade den konstige kaptenen Jack Sparrow. Depp fick sin
inspiration från Rolling Stones gitarrist Keith Richards, som även spelade Johnnys pappa i den tredje filmen i samma filmserie. Många personer fick Jack Sparrow som sin favoritkaraktär och Sparrow var en återkommande dräkt på många maskeradfester.

”Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” handlar mest om den unga smeden Will Turner, den vackra guvenörsdottern Elizabeth Swann och den konstige kaptenen Jack Sparrow.
Det hela börjar med att en flicka sjunger ute till havs och sedan ser hon en pojke
flyta vid vattnet. Pojken bär på en piratmedaljong och flickan tar den på grund
av att hon är rädd för hans liv. Åren går och den lilla flickan har nu blivit
äldre och vackrare, pojken har blivit en man och är förälskad i flickan. Dock
är flickan en guvenörsdotter, Elizabeth Swann, och han är bara en smed, Will
Turner. Någonstans på vägen möter Elizabeth kapten Jack Sparrow, som försöker
ta ett skepp med hjälp av sin list. Han blir tillfångatagen efter att han har
använt Elizabeth som gisslan för att försöka komma därifrån. Jack letar efter
det mytomspunna skeppet Black Pearl, men ingen tror på den förrän den kommer till Port Royal, där Will och Elizabeth bor. Elizabeth blir kidnappad och Will måste då, mot all sin förmodan, ta hjälp av Jack.

Det fanns mycket scenografiskt arbete med i filmen och mycket pengar gick åt för att göra filmen, men då filmen hade premiär gick de inte i back och folket önskade fler filmer, vilket de gjorde.

Johnny har på många sätt påverkat världen med sina olika och så kallade
”udda” karaktärer och på många andra sätt lämnat kvar ett intryck hos olika personer. Jag tror att anledningen är just på grund av det intrycket han lämnar efter sig och att han är flexibel samtidigt som han inte är det gör att han är så populär som han är idag. Personligen tycker jag att Johnny Depp verkar vara en otroligt härlig person och jag tycker personligen att han gör väldigt sköna roller och filmer. Han är en väldigt duktig skådespelare och sjunger väldigt bra. Själv så avgudar jag Jack Sparrow, och självklart många andra av hans verk, och tycker verkligen att det är bland det bästa som han någonsin har gjort, men jag har inte gått så långt så att jag klär ut mig till honom.

Glaskonst

Av Veronica Idman Es3b

Jag har valt att skriva om glasets historia. Har hittat några kända glaskonstnärer, Bertil Vallien och Jeff Koon som jag tycker var mest intressanta.

Historien om glas

Glaskonsten har funnits i ungefär 2000år. Det finns olika glas man kan jobba med när ska göra glaskonst. Ett glas är Bulleye-glas. Det är inte som att jobba med fönsterglas. Det är inte som det traditionella glaset som man använder vid glasblåseri.Tekniken med Bulleyeblas är att man skär först ut bitar med en glasskärare sedan lägger man glaset i en ugn som håller en temperatur på 800grader. Glaset smälter då ihop. Man kan lägga in olika metaller och ståltråd i det smälta glaset och man kan även måla det med glasfärg. Detta bildar då olika mönster. I glaset. Man smälter oftas Bulleye-glas i många lager så att man kan forma fram det man önskar. Efter den processen smälter man glaset i den 800 gradiga ugnen.

Blåstekniken.

Blåsteknikem uppfans ca: 2000år senare än Bulleye-tekniken. På 60-talet började man i USA att experimentera och återupptäcka tekniken och te fram lämpliga material för att smälta samman glaset till konstföremål.

Fakta om glas

Den vanligaste typen av glas är silikatglas som även kallas sodaglas. Silikarglas framställs genom att smälta samman kvartssand & alkalier.Men andra tillsatser kommer också till som kalk och blyoxid.När bly ingår så talar man om blyglas som avän kan kallas kristallglas.Men om alikaltillsatsen byts ut mot borsyra blir det borsilikatglas. Borsilikatglas tål hög temperatur.Denna sorts glas har därför stor teknisk användning. Smältning av ren kvartssand utan tillsatser ger kvartsglas, som har den speciella egenskapen att det släpper igenom ultraviolett ljus. Vanligt glas är sprött och krossas lätt men med speciella tillverkningsmetoder kan man göra ”okrossbart” glas så kallat härdat glas,som används bland annat till hushållsföremål och bilrutor.För att färga glas använd olika metaller eller metalloxider. Blått glas till exempel erhålls genom en tillsats av grundämnet Kobolt.Med speciell värmebehandling kan man bygga in spänningar i glaset, så att det är starkt i vissa situationer, men sprött i andra. Ett roande experiment kan göras med en glaskolv som är så hård utifrån, att den kan användas som hammare att slå in en mindre spik med. Men låter man så lite som en femtioöring falla ner i kolvöppningen spricker kolven i småbitar.

Bertil Vallien.

Bertl Vallien är en svensk skulptör och glaskonstnär som arbetar huvudsakligen glasgjutning.

Han växte upp i villaförorten Sollentuna norr om Stockholm. Hans familj var djupt relisösa och dom lämnade han till föräldrahem när han var 15 år. Han föddes den 17 januari 1938.

Bertil Vallien smälter sitt glas i 1300grader. Åren 1989 och 1990 kunde han helt koncentrera sig på sitt fria skapande. Han utökade sitt register med flera skulpturala former som stavar och ringen. Med enkla grundformer sammanlänkades ett berättande som realiserades med olika handgrepp innan och vid sandgjutningen. Sandformen preparerades så att håligheter bildades. Sedan fick glasmassan avgöra ytans struktur. Det skrivliga och destruktiva blev viktigt för Vallien de första åren på 90-talet.

Sommaren 1991 visade han sina senaste skulpturer på Borgholms slottsruin. Utställningen hette ARIA II och är en av Valliens största konstnärliga triumfer. ARIA II bestod av tre olika skulpturala motiv. Den historia som har fascinerat honom att göra dessa skulpturer var en flicka som hette Karolina. När hon var liten råkade hon ut för en olycka som gjorde att hon hamnade i koma och sov i 33år. Under denna tid drömde hon om blå män. De blå männen blev i Bertil Valliens tappning avskalade huvuden i naturlig storlek i klar glas och blått. Sandgjutningstekniken fungerade perfekt till att ge ”Heads” drag av iskyla och en introvert magnetism. På Borgholms slotts ruin invaderades salarna av de blå männen 1995. Besökare fick gå försiktigt fram mellan de höga stenpelarna som huvudena satt på. ”Heads” har dels en allmängiltig form som verkar med samma kraft på alla människor. Men huvudformen började Vallien verka mot en mer avskalad formvärld där han kunde koncentrera sig på detaljerna i skulpturen. Gunnar Lindqvist placerar honom där med bredvid Picasso. Bertil Vallien fortsatte med att utforska nya skulpturala teman. ”Faces”, ”Kandy” och ”Constrict” innebar också ett fortsatt forskande i människans yttre och inre livsvillkor. ”Faces” är sandgjutna masker med en liten öppning där man kan se maskens inre. De finns en tekniks fulländning i ”Constrict” med en blå glas kropp, fjättrad runt en skulptur med ringar. Gunnar Lindqvist menar att Bertil skruvade upp sin konstnärliga temperatur ytterligare genom sitt behov av att ge svar på människans gåta att det nästan kvävde kreativiteten. Vallien befann sig i en frustrerad fas av sitt konstnärskap och började arbeta på ett mer allmängiltigt form tema liknande båtarna.

”Valliens skulpturer har på samma gång drag av den trosbärande afrikanska skulpturen, som av Picassos formella sökande och som det Vallienska hanterande av glaset som skulpturalt medel hans porträtt huvuden bär där igenom vår egen tids karakteristiska drag.I sin komplexitet är det samtidigt igenkänn bara och undan glidande”

Bertils ”Heads” har ungefär samma ansiktsform, men med olika detaljer som spikar, ståltråd, slipning och ytbehandling av glaset skapar han olika känslolägen. 1998 skapade han en serie ”Resting Heads”. Med dem förenklade han sin ytterligare form.

Han älskar inte glas utan tvärtom. Han vill istället dölja det förbannade förfriskade materialet säger han i en artikel. Det är därför han gjuter i sand. För att dölja den där blanka ytan som blir, och istället får man fram den där matta råa ytan. Han gör även på andra sätt också för att dölja den blanka ytan som blir. Han lägger till exempel i aluminiumfolie och då blri inte glaset genomskinligt längre. Han har gjort väldigt många motiv, som båtar, huvuden, hus och broar. Det är dom motiven som är mest välkända i hans konst. En del av hans motiv innehåller detaljer som järn och andra som glänser av blad guld.

Jeff Koon

Jeff Koon är världens dyraste glas konstnär, han har gjort ett stort hängande hjärta i glas som han sålde för 148 miljoner kronor. Jeff Koons som arbetade som mäklare på Wall Street i sin ungdom, har gjort sig känd med verk som ”Michael Jackson And Bubbles” och ”The Puppy”.

1991 gifte sig Jeff Koons med den italienska porrstjärnan Ilona Staller, känd som Ciciolina, hon var då invald i det italienska parlamentet. Under tiden de var gifta gjorde han konstserien ”Made In Heaven” med pornografiska motiv på sig själv och hustrun.

Afrikansk konst

Av Linnéa Dehlén Es3a

Med afrikansk konst avses här konst som producerats i Centralafrika och, i första hand, är det skulptur som avhandlas.
Afrika utgör inte ett enhetligt kulturområde och den konst som producerats på kontinenten låter sig inte heller ”klumpas ihop” till en enhetlig kulturyttring. I Afrika finns åtminstone tiotusentals olika folkgrupper varav många aldrig utvecklat organisationsformer som sträcker sig bortom bynivån. Alla har de religiösa, kulturella och sociala konventioner som är distinkta från sina grannars. Många av dessa kulturer uppvisar dock stor likhet och, för att kunna överblicka ett så disparat kulturområde som Afrika, kan man ta fasta på de folkgrupper som bildat någon form av kulturcentra, d.v.s. kulturområden som starkt påverkat konsten i angränsande områden, totalt ett tjugotal.
Skulpturen som konstform dominerar framför allt i Västafrika

Maskerna, som inte bara bärs framför ansiktet utan även ovanpå huvudet eller i handen, används ofta i samband med dans. Kultfigurerna, vanligen i trä, avbildar ofta förfäder, kungar och regionalt förankrade gudar. Reliefkonsten, i trä, lera och metall, är mindre vanlig än maskerna och kultfigurerna. I Östafrika och södra Afrika dominerar andra konstformer. I Nordafrika dominerar en konst som i första hand hör till den islamiska konsten och många av de nomadiserande folken där har överhuvudtaget inte producerat särskilt mycket konst.
Den afrikanska skulpturen har en central roll i den afrikanska kulten och det är förmodligen omöjligt att förstå dessa skulpturer utan en åtminstone rudimentär kännedom om de afrikanska religionerna och riterna.

Bambara
Det jordbrukande bambarafolket i sydvästra Mali har utfört sina traditionella riter i dolda tempel och undanskymda lundar och innefattar offer av djur och nötter. Deras högsta andliga väsen, som kan beskrivas som den energi som skapat världen, brukar inte tillbes direkt eller avbildas i konsten, men många andra andeväsen och förfäder har givit upphov till den långa skulpturtraditionen. Dessa masker har använts vid skördefester av dansare som burit dem ovanpå huvudet med ansiktet dolt av flätad halm. Variationsrikedomen i bambarakonsten tyder på att denna konst från början varit mer eller mindre naturalistisk, och att frånvaron av traditionsbundna regler gjort att konstnärerna under lång tid tävlat i att överträffa varandra i allt djärvare formspråk. Bambarakonsten tillverkas av smeder som ofta föraktas av andra grupper men också fruktas för sin roll i religionen. Detta har lett till ett allt abstraktare och mer konstruktivistisk formspråk som också excellerat i materialeffekter där matta ytor ställts mot blanka. Denna utveckling har, sammantaget, givit en konstform som saknar motstycke, inte bara i Afrika, utan i hela världen.

Sierra Leone Mendefolket i södra Sierra Leone har blivit kända för sina stenskulpturer i täljsten, ett ovanligt material i den afrikanska konsten. Dessa skulpturer tillskrivs övernaturliga egenskaper och rådfrågas vid viktiga beslut. De anses ge män tur men göra kvinnor ofruktsamma och vid risskörden ställs de upp under palmbladstak som för att ge skydd. Skulpturerna utmärker sig med sina breda näsor, tjocka läppar och stora, utstående ögon. Deras råa utformning och skrovliga yta ger dem en uråldrig och besjälad karaktär. Även mendes hjälmmasker är omtalade utanför deras egentliga hemort, de hemliga sällskap, poro och bundu, där de används i religiösa och sociala ceremonier.

Så den afrikanska konsten har man lyckats väva in mycket inom konsten på 1900- talet. Men den afrikanska konsten har även inspirerat Pablo Picasso, Pablo hade en afrikansk period där han blev inspirerad av maskerna ifrån Gabon och franska Kongo. Då gjorde han konstverket ”Flickorna från Avignon” där ansiktena är masker.

Nils Hebo har gjort ett konstverk inspirerat av just den här konstformen. Han tog en ”modern grej som blev gammal grej”. Summan blev ”Konstruerat Huvud” som ifrån olika vinklar ser ut som ett huvud. I det verket känner man mycket igen sig i den afrikanska konsten.

Bambaras stiliserade antilopmasker är förmodligen den afrikanska konst som haft störst inflytande på kubismen och expressionismen i den moderna konsten.

Ljusdesign

Av Johan Köhler Es3b

Ljusdesign för mig för mig är ett sätt att skapa känslor. Ljus lyser upp vår vardag den skapar känslor, bilder och olika former. Ljusdesign kan oftast delas in i 3 olika områden scenkonst, film och arkitektur. Gator, byggnader, gallerior, på konserter, i hemmet är några exempel på vart man har haft användning av ljusdesign.
Ljusdesign som konst. Jag ser ljusdesign som konst, om man tittar på målade konstverk så kan man se hur en del använder sig av ljus & skuggor för att skapa djup & känsla i bilden. På samma sätt gör man med ljusdesign, när man designar ljus för scen, film och arkitektur.
Ljus kan användas på många olika sätt bland annat finns nått som heter ljusterapi.
Ljusterapi är en terapiform mot höst- och vinterdepressioner. Den anses fungera mot depressioner som har samband med bristen på ljus under den mörka årstiden. Man kan också ha nytta av behandling med ljus om man lider av så kallat försenat sömnfassyndrom. Ljusterapi går ut på att man utsätts för kraftigt ljussken under en längre tid, antingen via en ljusbox eller i ett ljusrum (ljusterapirum).
Ljusrum finns på flera sjukhus i Sverige.Ljusdesignern, benämns ibland även ljussättare, är den som planerar hur ljuset ska se ut tillsammans med ”beställaren”, inom teater kan det vara regissören och scenografen, på en TV-gala bildproducenten och i en trädgård husägaren. Designern ska försöka förverkliga ”beställarens” idéer med hjälp av olika lamptyper, färgfilter och projicerade mönster
.
Lighting designer, på svenska ljusdesigner, är en växande yrkesgrupp som mer och mer anlitas som rådgivare och planerare i moderna belysningsanläggningar som kontor, skolor och offentlig miljö.
Inom teatern anses ljusdesignern vara en del av det konstnärliga teamet och är jämställd med till exempel scenografen
Ljusdesigner utbildas i Sverige på olika akademiska nivåer dels vid Dramatiska Institutet, KTH Syd, Campus Haninge, dels vid Ljushögskolan inom Tekniska Högskolan i Jönköping, Sverigefinska folkhögskolan i Haparanda.

KISS

av Johannes Näsström Es3a
Kiss är det band som har influerat mest musik och tagit smink och shock-rock till ”the extreme” Många trodde att Kiss hade satanistiska anknytningar på grund av bandets smink och musik, men dom brydde sig inte om det och dom flesta låtarna dom gjorde handlade om sex, droger och alkohol.
Men det började att dom diggade glamm-scenen för att dom gick upp på scen och röjde.
Om man tänkte andra band som bara gick upp på scenen, spelade sina låtar och gick av rörde inte dom riktigt.
Dom ville göra ett spektakel av det hela, världens största scenshow var vad dom ville ha, men frågan var om dom skulle kunna få det.
Dom började använda sminket som New York Dolls använde, en smula av feminint känsla över det hela.
Men vänd punkten kom när dom såg Alice Cooper, mästaren av shock-rock fick dom att börja tänka i nya banor och att dom kunde inte bara ta sin scenshow till ”the extreme” utan även att ta sminket till nya höjder, vilket alla i bandet var överens om att det var en bra idé.
Pauls smink kom ifrån att han ville bli en stjärna som kunde få vilka kvinnor som hälst.
Ace hade alltid haft en nära relation till rymden och tekniska saker, redan när han var liten kunde han plocka isär en tv och sätta ihop den. Det blandat med filmer och att han var så Spaced så var det ingen fråga om ved han skulle bli, utan det blev space-sminket som alla känner igen.
Peter kände att efter som han haft en svår uppväxt med att vara med i olika gäng, så hade han nio (som nästan alla var använda) vilket gjorde att han sminkade sig som en katt.
Gene har alltid sett sig själv som ”larger then life” fick han idén till sitt smink från filmer och serier, även skorna formade som drakar fick han idén från den klasiska filmen ”Godzilla”.
Det med tungan, blodet och eld slukandet var detta en av dom främsta personerna i kiss
Liveshow.
Glamrocken som hade inspirerat hade börjat dö ut, så det var ett smart drag av kiss att göra sig odödliga genom att ha den personligheten dom hade.
Vilket gjorde dom till superhjältar som fick världen på fall.
Kiss trodde att folk skulle bli chokade när dom gick upp på scen med sina platåskor, smink och den högtalare som skulle kunna spränga bort taket, men dock så var det inte lika många som blev häpna som fick totala skratt anfall.
Och studioalbumen var inte mycket att hurra för tyckte kritikerna i tidningarna.(Ungefär som Jason Pollock i början av sin karriär) men detta skulle snart förbi ses av kiss live shower som lockade folk i mängder.
Det som lockade dom var hela showen med musik, teater och fyrverkerier.
Det gjorde dom till en show som inte ens deras stora idol Alice Cooper kunde överträffa.
Sminket blandat med showen gjorde dom unika, det har aldrig funnits ett band som detta tidigare och inte skulle det komma ett heller.
Men efter som det var just showen dom skapade ett följe så var det svårt för att skivorna lät inte som framträdandet och på den tiden så var det inte många som ville ha ett livealbum och framför allt inte av kiss. För livealbum sågs inte som något av värde efter som dom stora artisterna inte gjorde det och inga brydde sig om kiss för deras höga musik och satanistiska framträdanden.
Men de gjorde det ändå och idag är det ett av dom mest uppskattade livealbumen som finns!

Dock så finns det inget band som har så mycket samlarobjekt som kiss, mer och mer blev dom en nöjes maskin än ett rockband, Många fick inte den respekten dom erkännandet som kiss fick. Många band blev bortglömda för att deras musik inte höll eller andra orsaker.(Starz,T-rex etc)
Musikscenen i USA under 70-talet var starkt influerad av disco och punk. Vilket kommer till vad nästa drag för kiss, genom att inte välja punken som riktning utan att ta in discon och bli ett mer pop/rock band var ett förödande beslut.
För när man blir så populär så snabbt och tror att man är något så finns det bara en väg och det är neråt.
Efter disco bravaderna så fanns det inget kiss kunde göra för att rädda sig själva, en efter en började dom hoppa av från gruppen och albums försäljningen försämrades.
Nämligen att dom som var kiss fans från allra första början ville inte ha med bandet att göra när dom började spela disco/rock men dom fick nya fans som gillade vad dom gjorde.
Men när dom senare gick tillbaka till sina rötter så tyckte disco fansen inte om vad dom hörde utan övergav gruppen och dom som hade vart kiss fans tyckte att om man har sålt ut en gång så kommer dom alltid att göra det, så det fanns inte mycket kvar av kiss imperiet.
Det sista och kanske det mest viktiga som gav kiss en ny chans att starta om var att i augusti 1983 så uppträde dom utan smink på MTV för första gången.
Detta gav bandet ett ny chans att bevisa att dom fortfarande kan det dom är bra på och att sminket inte betyder lika mycket som musiken.
Vilket det inte gjorde. Många visste inte att detta var det band som en gång hade smink och 12 cm platåskor, men dom gillade musiken och detta bevisar att sminket och produkterna var en stor del av kiss men det är ändå musiken som kommer i första hand.

Sex Pistols

Av Johanna Svensson Enoksson Es3a
Världens mest kända punkband genom tiderna

I början av 70-talet bestämde sig kompisarna Paul Cook och Steve Jones för att bilda ett band och tillsammans med klasskamraten Warwick Nightingale bildade dom bandet ”The Strand”.
I lågkonjunkturens fattiga England hade ingen av bandmedlemmarna pengar till vare sig instrument eller utrustning så Jones stal allt som behövdes.

Jones brukade spendera helgerna på ”Let it Rock”, en affär på Kings Road som ägdes av drevs av
Malcom McLaren och Vivienne Westwood. Han fick hjälp av McLaren att ordna en replokal till bandet
och då tillkom Glen Matlock, som var en av Jones ”festkompisar”, i bandet, som basist.
McLaren ansåg att bandet skulle prioritera att hitta en vokalist, då både Jones och Cook hade provat
att hålla i micken utan större framgång. Warwick slutade i bandet och en annan av ”McLaren/Westwoods” affärs stamkunder provsjöng för bandet genom att sjunga med till en Alice Cooper-låt på affärens jukebox. John Lydon blev bandets vokalist och fick smeknamnet ”Johnny Rotten” på grund av hans tänders skick. McLaren som tog på sig rollen som manager lånade en slogan från en av Rottens T-shirts och döpte bandet till Sex Pistols.

Till en början spelade dom mestadels 60-tals covers, men började sedan skriva eget material.
I november 1975 hade dom sin första spelning på St. Martins College i London och den spelningen var knappast något att hänga i granen. Efter bara några minuter drogs kontakten ur och ljudet försvann.
Bandet fick trots majoritetens avsky några ivriga anhängare och ryktet om att både band och anhängare var väldigt våldsamma fick många arrangörer att avboka inplanerade spelningar som bland annat den på Mont De Marson Punk Festival i Frankrike.

Deras turné i Storbritannien 1976 inkluderade bland annat spelning på Chelmsford fängelset och på 100 club på en punkfestival.
Den 8 oktober skrev bandet på för skivbolaget EMI och spelade kort därefter in sin debutsingel ”Anarchy in the UK”. De som inte hade hört talas om Sex Pistols innan, skulle nu garanterat veta vilka de var.
Den 1 december fick Sex Pistols en sen ersättningsplats i Thames Tv’s program ”Today” och ankom när det endast var fem minuter till sändning, klart alkoholpåverkade. Programledaren Bill Grundy uppmuntrade och provocerade bandmedlemmarna att ”say something outrageous” och han fick vad han frågade efter. Speciellt Steve Jones yttrade kommentarer som fick den tidiga kvällspubliken att tappa hakan. Han kallade bland annat Grundy för ”You dirty old bastard” och ”You dirty fucker”.
Dagen efter var skandalen ett faktum. På löpsedlarna var det bilder på bandet och tidningarna uppmanade EMI att slopa Sex Pistols, vilket dom senare också gjorde.
Upprörda arrangörer avbokade alla utom tre spelningar i den nationella ”anarchy”-turnèn i december vilket delvis ledde till att basisten Glen Matlock hoppade av bandet i februari 1977. Andra anledningar till Matlocks avhopp var bland annat hans och Rottens skilda meningar. Ett av Rottens uttalanden om Matlock som starkt bevisar det är ”When you talk like an asshole and you look like an asshole, then you are an asshole”.
Hans ersättare blev Rottens polare, en av Sex Pistols stora beundrare, John Simon Ritchie, också känd som Sid Vicious. Namnet fick han från Rottens hamster Sid när hans försök att gosa med den slutade med att han blev biten. Vicious fick han för att Rotten tyckte att han var just det, brutal, olaglig. Allt som du inte fick göra gjorde Sid Vicious.
Bandets nya basist hade allt som krävdes förutom kunskapen om att spela bas, vilket han fick lära sig snabbt, men om han lärde sig ordentligt spelade egentligen ingen roll, som hade sa ”Fuck it”.
I mars 1977 skrev Sex Pistols kontrakt med A&M Records och eftersom deras debutsingel med det nya bolaget skulle bli ”God Save The Queen” så skrev dom på kontraktet utanför Buckingham Palace samtidigt som de blev fotograferade. Dock så blev de sparkade från bolaget kort därpå på grund av osämja mellan bolaget och managern McLaren.
I maj skrev de på sitt tredje kontrakt med skivbolaget Virgin och ”God Save The Queen” släpptes på allvar. Designen på skivomslaget stod Jamie Reid för och det var en bild av drottningen med en säkerhetsnål genom näsan i äkta punkstil. Inte helt oförståeligt blev skivan bannlyst och även Sex Pistols själva, de fick inte spela någonstans och ingen ville boka in dom.
De tog då saken i egna händer och firade Jubileumsdagen på en båt i Themsen med sina anhängare där de spelade sin bannlysta musik vilket ledde till arrest och böter när de kom i land.
De släppte två singlar till, ”Pretty Vacant” och ”Holidays In The Sun” och senare, närmare bestämt i november släpptes deras debutalbum ”Never mind the bollocks – Here´s the sex pistols”
Albumet gick raka vägen upp på topplistan trots att många affärer vägrade att sälja den.
Sex Pistols sista spelning i Storbritannien var på Ivanhoes i Huddersfield på juldagen 1977 efter en hemlig turné de haft runt om i Europa/Skandinavien för att undvika att bli bannlysta igen. Under den hemliga turnén spelade de bland annat på Club Zebra i Kristinehamn.

Med tanke på att det blev allt svårare att jobba i Storbritannien så begav sig bandet i januari 1978 till USA för en Amerikaturné. Rotten sa sig dock hata USA och att amerikaner inte förstod sig på rock. Turnén i USA blev inte alls som de tänkt sig och ledde enbart till misär och svårigheter och ännu mer samarbetssvårigheter mellan vissa i bandet och McLaren. Tillslut fick Rotten nog och sa på deras sista spelning på turnén i Winterland Ballroom i San Fransisco, ”Ever get the feeling you´ve been cheated?”.
Dagen efter lämnar Johnny Rotten bandet. Övriga medlemmar försöker förgäves hålla ihop bandet som senare samma år (1978) trots försök till sammanhållning splittras.
Sid Vicious flickvän Nancy Spungen hittas i oktober 1978 död på parets hotellrum på Hotell Chelsea i New York och Sid anklagas för att ha mördat henne. En kraftigt drogpåverkad Sid anhålls, men släpps fri mot borgen. I väntan på rättegången dör Sid Vicious den 2 februari 1979 av en överdos.
Bandet återförenades 1996 och åkte på turné till bland annat Sverige och åker ännu idag runt och ”små-turnérar” men är långt ifrån den nivå de låg på när de var som mest aktuella.
Med Sex Pistols föddes en helt ny generation av vrede mot ett samhälle som de tyckte behandlade dom fel och som inte fungerade. Jag själv tror inte att meningen med bandet var att göra någon skada. Anledningen till att Sex Pistols blev så stora tror jag beror på delvis att dom kom med något nytt och väldigt annorlunda. De vågade säga det som många kände, men som ingen sa.
Johnny Rotten: ”- The pistols wasn´t about destroying ourselves, it was about destroying a situation that was destroying us.”

Astrid Lindgren

Av Henrik Johansson & Amanda Karlsson Es3b

Astrid Lindgren föddes den 14 november 1907 på gården Näs i närheten av Vimmerby som ligger i Småland. Astrid fick sin första bok när hon var 4 år, den hette Snövit, Barnens Julkalender.1923 tar hon realexamen med mycket bra betyg, ämnet hon var bäst i var svenska. 1924 blir hon anställd på Wimmerby tidning, där hon läser korrektur. Hon gör även små notiser och små lokala reportage om de stora högtiderna.1926 flyttar hon till Stockholm för att lära sig stenografi och maskinskrivning.1928 får hon en anställning på KAK. 1931 gifter sig Astrid med Sture Lindgren som är hennes chef på KAK. 1933 blir hon redaktör på tidningen Landsbygdens jul.1944 blir Astrid sängliggande efter en halkolycka, så då passar hon på att skriva ner sina berättelser om Pippi Långstrump som hon kom på när dottern Karin låg hemma och hade lunginflammation. Hon skickade en kopia av berättelserna till Bonniers förlag. Den både säljer bra och hon får även många priser för Pippi. 1946 släpps första boken om mästerdetektiven Blomkvist ut. 1947 kommer boken om Alla vi barn i Bullerbyn ut.
1949 boken om Nils Karlsson – pyssling kommer ut. Samma år som den boken kom ut, kom även Pippi Långstrump ut på ett tyskt förlag för första gången.
1950 kom böckerna om Kajsa Kavat och Kati i America ut. 1952 bara roligt i Bullerbyn utkommer. 1954 utkommer Mio, min Mio.1955 kommer den första boken om Lillebror och Karlsson på taket. 1956 kom Rasmus på luffen ut. 1958 kommer Lotta på Bråkmakargatan ut.
1963 blir hon invald i Samfundet de nio som första barnboksförfattare. När båda hennes föräldrar hade dött samlar hon ihop sina egna anteckningar och kärleksbrev från hennes föräldrar och börjar skriva om dem och gör sedan en bok av det. Vi på saltkråkan släpps ut 1964 både som bok och tv-serie. Bröderna Lejonhjärta släpps ut 1973. 1981 kommer Ronja Rövardotter ut. Astrid Lindgren har fått otroligt många priser och utmärkelser, bland annat har hon fått utmärkelsen Litteris et Artibus av konungen. Astrid dog år 2002, på en ålder av 94 år.
En viktig sak som har diskuterats är varför inte Astrid Lindgren fick nobelpriset i litteratur. 87 procent av det svenska folket tycker att hon borde få det, men de som bestämmer säger att det inte går att dela ut priset postumt. En person som verkligen försökte stoppa Astrid Lindgren från att få nobelpriset i litteratur var Arthur Lundkvist. Han gillade inte barnböcker och ville istället belöna svårare litteratur.

Astrid Lindgrens illustratörer

Det är i huvudsak fyra tecknare som har illustrerat Astrids böcker. Ingrid Vang Nyman, som har illustrerat böckerna om Pippi, Björn Berg, som har gjort teckningarna till Emil-böckerna, Eric Palmquist, som tecknade böckerna om Rasmus på Luffen och de senare upplagorna av böckerna om Kalle Blomkvist, och Ilon Wikland, som har gjort illustrationerna till böckerna om Lotta, Karlsson på taket, Madicken, Saltkråkan, Nils Karlsson Pyssling, Ronja, Mio min Mio, Bröderna Lejonhjärta, samt novellsamlingen Sunnanäng. Både Ingrid Vang Nyman och Ilon Wikland har illustrerat böckerna om Barnen i Bullerbyn och Kajsa Kavat. Utöver dessa fyra så har ett antal andra illustratörer tecknat för enskilda böcker.

Ingrid Wang Nyman föddes 21 augusti, 1916 i Danmark och dog 13 december, 1959. Hon var en dansk illustratör som är mest känd för sina illustrationer för just Astrid Lindgrens
böcker om Pippi Långstrump. Hon påbörjade sina konststudier i Köpenhamn 1935. Flyttade
sedan till Stockholm 1943 med sin svenska man och son där hon blev en mycket produktiv barnboksillustratör. Under sin sista tid i livet var hon ofta sjuk och deprimerad. Hon begick självmord luciadagen den 13 december 1959. Hennes son var också en illustratör innan han dog 2001.

Björn Berg föddes i Unterwössen, Bayern den 17 september 1923 och dog 13 juli, 2008. Han var en svensk tecknare, målare och grafiker. Efter att ha gått två år på Tekniska skolan i Stockholm fortsatte han sina studier vid Konstakademins grafiska avdelning i Paris. Han bodde i New York åren 1927-1935. Björn har tecknat i bl.a. Söndagsnisse-Strix, Industria och Dagens Nyheter och förutom för Astrid så har han tecknat för Alf Henriksson och Alf Pröysen. För Astrid så har Björn tecknat böckerna om Emil i Lönneberga.

Ilon Wikland föddes 17 september, 1930 i Tartu i Estland och hon är en illustratör. Ilon är mest känd för sina illustrationer Astrids Lindgrens och Edith Unnerstads böcker. Hon har tecknat alla Astrid Lindgrens böcker förutom böckerna om Pippi Långstrump och Emil i Lönneberga. När Ilon tecknar barn så blir de ofta rundkindade och uppnästa och hon är väldigt noga med detaljer för att hitta det som fångar en figurs karaktär. De rufsiga Mattisrövarna i Ronja Rövardotter hittade hon i kön på Systembolaget och Karlsson på taket i Hallarna i Paris.

Astrid Lindgren i andras ögon

Förra året skulle Astrid Lindgren ha fyllt 100 år. I samband med firandet så kommer ett praktverk med bilder ur hennes liv. Det fanns nästan alltid något sorgset i Astrids blick. På de flesta bilderna på henne så tittar hon ut ur bilden, bort från kameran. När hon tittar rakt in i våra ögon smyger det sig in ett sammanbitet drag, rör mig inte. Hit men inte längre, ni äger mig inte hur mycket ni än älskar mig ser det ut som hon menar.
Astrid fick sällan vara i fred. En av Sveriges mest älskade personer, dränktes i kärlek, priser och uppmärksamhet som en hjälplös kattunge i en vattenhink. I boken berättas det om när Astrids lillasyster Ingegerd retoriskt frågar en besökande på Dalagatan hur kul hon tror att det är att vara ”Astrid Lindgrens lillasyster”. Astrid replikerar genast från ett annat rum: ”Har ni tänkt på hur kul det är att vara Astrid Lindgren själv?”

Astrid värjde sig så gott det gick: ”Så här vacker är jag inte” till tecknaren André Prah som målade av henne och genast svarade: ”Jo det är du”. Astrid blev tröttare och tröttare på att vara känd. Hon sa att hon inte ville vara populär längre och att hon inte ville sitta och svara på vad hon menade med Mio, min Mio. Jag vill inte vara snäll och jag vill inte vara i veckotidningar. Trots hennes klagan över att vara känd så var hon en hjältinna. Hon var ju trots allt världens bästa barnboksförfattare även om man tappar bort det för all uppståndelse.
Fotografierna berättar om hennes utveckling tydligare än ord. I hennes lyckliga barndom är hon inte huvudpersonen på bilderna. Då är hon ett av barnen, en av flickorna i flickgänget. På de bilderna är hon bara klarögd, närvarande och med självmedveten humor i varje pose.

Ett långt sorgligare kapitel är när hon är en ensam och fattig ung kvinna i storstaden. Ett magert sträck som aldrig kan äta sig mätt, en obemärkt mamma med sonen i fosterhem i Köpenhamn. När Astrid blev tvåbarnsmor i Vasastan är hon en bild av den lugna, glada moderstryggheten. Sonen Lasse berättar det som inte bilderna avslöjar: att mamma inte satt snällt på en bänk i parken och tittade på när han lekte, utan hon var med och lekte. Det märks tydligast i kapitlet om Lasse. Sonen hon fick som ogift artonåring och tvingades lämna till fosterhem i Köpenhamn under ett par år. Det märkvärdiga var inte att hon lämnade bort honom, det var hon lång ifrån ensam om. Men Astrid reste envist och förtvivlat fram och tillbaka till Köpenhamn för att hälsa på sin son tills hon äntligen kunde hämta hem honom

Den elektroniska musiken/Synthkulturen

Av André Andersson Es3b

Historia

Vi alla har väl någongång hört talas om elektronisk musik men inte riktigt kanske haft helt klart för oss vad det är och hur det låter exakt. Oftast tror jag många förknippar det med senaste från hitlistan eller något liknade, och helt fel är det ju inte, men den elektroniska musiken är betyldigt mycket bredare än så.
Den har sitt ursprung sedan minst 100 år sedan kring slutet av 1800-talet 1900-talets början, då det redan då fanns tankar att skapa ljud och musik på elektronisk väg.
Det som ansågs som det första elektroniska instrument var thereminen. Emellertid så fanns det tidigare skapelser men som inte var spelbara på det sätt som exempelvis thereminen. Den är fortfarnade populär idag och fascinerar många. Man spelar på den genom att en hand i luften styr tonen och den andra volyme, detta var något som var helt nytt för folket som fick höra det här instrumentet. Instrumentets karaktär var väldigt mjuk och liten eller hur man skall förklara det. I allafall så fick therminen ett stort intresse i filmer på 20-30 talet , vilket man kan känna igen om det går någon gammal film på tv,även senare fram till idag.
Inom filmindustrin så lockades många filmskapare inom genrer som scine fiction och rymdfilmer och liknande, vilket man kanske kan förstå lite grann med dess klang som måste ha inspirerat dem. En känd film som innehöll elektronisk musik var A Clockwork Orange.

60-talet
Fram till 60-talet var synthezisern. klaviaturlös. Det var inte först 1964 som den kände Robert Moog släppte en spelbar syntheziser med klaviatur. Dock redan året innan hade den första spelbara synthezisern kommit som då hette Buchla.
Under detta skede så var kulturen inom synthen rätt låg. För många var det här nytt och på den här tiden kostade dom här instrumenten multum för att ha råd att köpa dom, vilket kanske hade en liten avgörande roll, varför inte så många yngre och nya hade råd att köpa en syntheziser exempelvis. Sedan just under det här årtioendet var ju inte heller synthezisern så kababel som den är idag.
Under den här tiden så experimenteras det väldigt mycket med synthezisern, man ser mer synthezisern och elektronisk musik ses mer som ”bildkonst” ungefär än som musik.
Begrepp som ljudkonst exixterade och gör även idag. En känd ljudkonstnär/musiker var Karlheinz Stockhausen som gjorde tidiga verk under 60-talet.
Men det var inte helt dött på den elektronisk musiksidan inom populärmusiken. En person vid namn Wendy Carlos tog bitar av europeisk barockmusik och spelade in dem på nytt där han då släppte två album: Switched-On Bach och The Well-Tempered Synthesizer.
Andra låtar som gjordes under det här årtioendet är ju bland annat hitsingeln ”Popcorn” som jag tror dom flesta känner till.

70-talet
Slutet på 60-talet och under 70-talet fram till idag så var det många kända jazzpianister som började intresserade sig för synthezisers. Där var bland annat Herbie Hancock som började använda synthezisers på sina fusioninspelningar, fortfarande mer effektfullt och experimenterande.
Men senare på 70-talet börjar intresset av synthezisers breda ut sig och börjar även att användas i rockband det skedde troligtvis tidigare vad jag vet men låg parallellt med fusion jazzen. Men det är under den här tiden som elektroniska musiken börjar gå åt en mer egen stil och den börjar växa och revoltionera. Band som Kraftwerk börjar turnera med sin helelektroniska musik och börjar influera folk hit och dit.
Här kan vi börja hitta grunder för en subkultur, eftersom att Kraftwerk ville spegla det moderna samhället och även hylla det moderna teknologiska samhället. Och där har vi en stor inspirationskälla som influerat väldigt många band in i nya genrer. Deras skivor handlade om det mesta i det moderna samhället som robotar och datorer osv, som deras skivomslag, deras image, kläder osv. Det kopplades i hop med det moderna samhället. Än idag kan man se och känna en slags hyllning och ett intresse för det moderna och framtiden.
Mot slutet av 70-talet börjar nya stilar att dyka upp lite smått, den elektroniska musiken börjar breda ut sig i populärmusiken och influera även gamla punkare som börjar bli trött på punkens fyrkantiga ramar och vill prova något nytt. Deras stil kallas då för postpunk/new wave där man då helt enkelt börjar prova helt nya grejer bland annat börja använda synthezisers. Den här stilen breder ut sig ganska rejält kallas också för underground.
Vissa band börjar skena i väg mer mot synthpop bland annat gamla bandet Joy Division som är en symbol för postpunken. De bildade så småningom New Order som la en grund för synthpopen som får revolution i nästa decenium. Jag vill tillägga att New wave som synthpop-stil kallades också för New Romantic. Andra stora band som influerades och som sedan utvecklade postpunken var Depeche Mode som idag är ett av värdens största band!
Det är också under den här tiden som syntharna börjar bli mer möjliga att ta med sig, de är fortfarande tunga, men man börjar bygga syntharna på nya och moderna sätt som gjorde att fler och fler hade råd att köpa synthar. Just den här utvecklingen var en bidragande orsak att synthkulturen började sprida sig och fler och fler började bli intresserade och började inspierras av den.

80-talet fram till idag
Då var vi altså framme vid 80-talet! Det årtiondet som man kan kalla den stora revolutionen för den elektroniska musiken. Som sagt så börjar kulturen sprida sig överallt i världen och i stilar härs och tvärs och i populärmusiken hör av man allt oftare hur elektroniska musiken har gjort framfart.
Om vi tittar lite närmare på synthstilen som en subkultur/konstgenre, så är det under det här årtioendet som stilen breder ut sig och bildar sitt ”träd.”
Under första tiden på 80-talet blomstrade synthpopen och new wave som en stor våg.
Själva synthpopen i sig tågade in på listan som det nya som gjorde lite angrepp mot det som var vanligt och okej och där kan man ju dra parallellen till frågan om vad som är konst?
Eftersom att folk upplevde stilen som lite provocerande med deras sätt att exempelvis använda en trummaskin. Det fanns väldigt många även då som tyckte att det här var ett angrepp på musiken och till och med dom som trodde att all musik skulle börja göras med hjälp av maskiner. Helt fel hade dom inte eftersom att vi idag i stora grad använder maskiner till hjälp för att exempelvis spela in och producera musiken.
Men det fanns och finns fler saker som upplevdes provocerande, deras klädstil. Beronde på vilken sorts stil du lyssnade på inom genren så skillde den sig lite grann, eftersom nya stilar kom till senare på 80-talet som var mer hårda. Gemensamt var den strikta stilen som orskar att många än idag av misstag placerar dem i ett fack som nazister.
Själv ser jag kulturen lite som ett nytt tänk i konsten även om inte det är nytt men ändå.
Man kan dra lite paralleller till Jackson Pollock som introducerade ett nytt sätt att göra konst på.

Marilyn Monroe och hur hon gestaltas i konsten

Av Anna Stake Es3b

Marilyn Monroe föddes den 1/6 1926 i namnen Norma Jean Baker, i Los Angeles, USA. Hon levde med sin mamma, hennes pappa vet man inte vem det var, fram till det att mamman Gladys Baker lades in på mentalsjukhus pga. hennes psykiska problem. Från och med den dagen levde Marilyn i många olika fosterhem och barnhem. Tiden på barnhemmen var antagligen en av de jobbigaste perioderna i hennes liv, då hon fick växa upp helt på egen hand och handskas med alla problem helt själv. Vad som egentligen hände på den tiden finns det många versioner av, men saker som nämnts är bland annat ständiga byten av barnhem, våldtäkter och regelbundna sjukdomar.

Detta höll på fram till 1937 då en vän till familjen, Grace McKee Goddard tog hand om henne. Där levde hon till 1942 då familjen var tvungna att flytta pga. jobb, tyvärr kunde inte Marilyn följa med eftersom de inte längre kunde försörja henne.
För att slippa förflyttas till ännu en fosterfamilj gifter sig hon men James Doughery, McKee familjens grannpojke, 21 år gammal. Vid denna tid var Marilyn 16 år gammal och var gift med James fram till året 1944 då James anslöt sig till Marinkåren och skickades till Stilla havet. När James kom tillbaka 1946 hade Marilyns karriär startat så hon väljer den framför sitt äktenskap. Hennes kommentar hon äktenskapet var: “My marriage brought me neither happiness nor pain. My husband and I hardly spoke to each other. This wasn’t because we were angry. We had nothing to say.” Jag förstår därför mycket väl varför hon valde sin karriär.

Den 26/8 1946 skriver hon på sitt första kontrakt med Twentieth Century Fox. Hon färgar nu sitt hår blont och byter namn till Marilyn Monroe, med efternamnet efter sin mormor. Marilyn får sin första filmroll 1947, i filmen ”The Shocking Miss Pilgrim”. Och ni ska inte tro att Marilyn hade lätt för sig i början av sin karriär. Hennes roller var endast biroller och hennes namn stod oftast inte ens med i för- och eftertexterna. Inte förens år 1950 får hon sitt stora genombrott. Folk började undra vem denna platinablonda tjej var, speciellt efter filmen ”Don´t bother to knock” (1952). Sammanlagt medverkade Marilyn i 30 filmer, och då räknar jag inte med ”Something´s Got To Give” vilken hon aldrig hann slutföra innan hennes död.

Marilyn dog den 5/8 1962 i sin lägenhet i California. Det finns många spekulationer om hennes död, men den mest troliga, är att hon tog en överdos. Marilyn hade länge kämpat med ett drogberoende och det var nog drogerna som till slut tog över.

Efter Marilyns död målade konstnären Andy Warhold ”Lemon Marilyn”. Han använde sig av silkscreen, man har schabloner och sedan färglägger man med tusch eller färg, man kan även göra det fotografiskt. Warhold använde detta för att, mer finkänsligt uttrycka känslor och även framkalla känslor. ”Lemon Marilyn” har idag värderats till 103 miljoner kronor.

År 2007, 45 år senare gör konstnären Kjartan Slettemark ett självporträtt med sig själv som Marilyn Monroe. Slettemark använder sig av samma teknik som Warhold, men vill inte att hans verk ska uppfattas som en kopia av Warholds. Han använder sig av Marilyn Monroe, men vill inte att verket ska ses som en hyllning till henne. Slettemark vill att hans verk ska visa att han är konst, det är han som är konstverket.

Båda dessa konstnärer använder sin av Marilyns porträtt, men säger att det inte är Marilyn som person som är i centrum utan känslor och dem själva som är det. Men någonting måste ha gjort så att de valde just Marilyn Monroe, de valde att visa sig själva genom henne. En anledning kan vara att det ger betraktaren en sak att relatera till, någonting som man kan känna igen sig i och kan förstå. Människor har, ända från den dag hon dog, lidit, känt och förundrats över Marilyn. Trots hennes kändisskap och exponerat privatliv har hon ändå lyckats behålla sin integritet och sin mystiska person på ett beundransvärt sett, och det är det inte många som har lyckats med, eller kommer att lyckas med i framtiden.

Men om man skulle sätta in en annan kändis i Marilyns situationer, skulle de lysa med sin stjärnglans lika mycket som hon? Ta till exempel James Dean och Elvis Preasly, dessa två legender och Marilyn har mycket gemensamt. De har alla lidit en tragisk död, hade intressanta bakgrunder och levde annorlunda liv. Kanske finns det ett recept, eller ska man kalla det; det dyra priset man får betala för ihågkommelse och berömdhet?

Streetdance

Av Sophia Lindqvist

Streetdance är ett samlingsnamn för en rad olika danser som till en början uppstått spontant på nattklubbar, i skolan och på gator på sena 1960-talet. Danserna bygger ofta på improvisation och den känsla som musiken förmedlar. Mycket kontakt dansarna emellan och med publiken är också ett kännetecken. Improvisationen gör att dessa danser ständigt utvecklas och skapar nya genrer och stilar. Många av dansstilarna inom streetdance är influerade av den afrikanska dansen. Streetdance kan tränas var som helst, det är ju så den har uppkommit, det enda som behövs är musik. Att ta en kurs är ett bra sätt för nybörjaren att lära sig grunderna och för den mer erfarna dansaren att utveckla sina kunskaper och få inspiration till sin egen utveckling. Men eftersom det bygger på improvisation är det viktigaste att tänka själv. Streetdance innefattar alla dessa stilar:

Hiphopdanser

New school/Lyrical hiphop

Precis som namnet antyder handlar det här om den nya hiphopen (kommersiell hiphop) som ofta är väldigt minimalistisk och mjuk, till skillnad från Old school som ofta är stort och hårt. Det är det här man oftast ser i musikvideos och på scenerna runt de stora artisterna. Man dansar det här till det mesta i musiken, dvs beats och effekter samt sång och lyrik. Fokus ligger på musikalitet, precision och flöde i dansen.

Breakdance

Breaking är en av de fyra grundpelare man brukar tala om inom hiphop (de övriga tre är graffiti, DJ och rap). Breakdance är en väldigt akrobatisk dans som kräver mycket styrka och smidighet av utövaren. Det är också det mest kända stilen av dem som innefattas av streetdance.

Krumping och Clowning

Krumping är en tuffare variant av clowning. Det är en dansstil som har sitt ursprung i de södra delarna av centrala Los Angeles. Det är en väldigt fysisk och uttrycksfull stil med stora rörelser och mycket energi.

Funkdanser

Locking

Locking är en komisk, energisk dansstil med cartoon-influenser, där det handlar om att låsa rörelser. Den uppkom i USA på 1960-talet och har namngetts efter den första lockinggruppen The lockers. Från början stod man mest och pekade (uppehåll i dansen) och spelade med publiken. När stilen utvecklades började man göra koreografierna efter musiken. Man kanske körde buss, tittade på klockan osv när kommandon som drive och clock hördes i låten. Den typiska outfiten för en lockingdansare är färgstark och lite pajasliknande, allt för att framhäva att det är en humoristisk dansstil. Då man tränar locking används ofta en tygbit (tex en näsduk eller bandana) för att se att handlederna knycker till på rätt sätt.

Popping/Boogaloo

Stilen skapades i slutet av 1970-talet av ”Boogaloo Sam”. Grunden i popping är en pop som du utför genom att spänna en muskel snabbt och sedan slappna av igen. Det ser mycket effektfullt ut, som att dansaren får en stöt genom kroppen. Popsen utförs kontinuerligt i olika delar av kroppen. Boogaloo är en undergren till popping, med andra ord poppar man där med men med vissa variationer från den klassiska poppingen.

Övriga

House

House bygger på elektroniska influenser och 4/4 takt. Dansen har sitt ursprung i Chicagos klubbscen och påminner en hel del om New style.

Dancehall/Ragga

Dessa är en snabbar variant av reggae och har sitt ursprung i den afrikanska dansen. Stilen innehåller många stora rörelseroch växte fram ur klubbarna runt 1980. Ragga är ett annat namn för dancehall som används främst i Europa.

Battles

Många av stilarna inom streetdance ger möjlighet till så kallade battles. Man dansar antingen en mot en eller grupp mot grupp där publiken eller eventuell jury avgör vem som vinner. Dessa battles kan i vissa fall innehålla koreografi men oftast improviserar dansarna och den som lyckas överträffa sin motståndare vinner. Juste Debout är en av världens största streetdance-tävlingar och avgörs årligen i Paris. Tävlingen startades 2001 och var ursprungligen ett stipendium som gav franska dansare chansen att åka till New York och få undervisning. 2002 hölls den första tävlingen och sedan 2006 har antalet deltagare varit så stort att regionala deltävlingar hålls för att kvala in till huvudtävlingen. En deltagare får bara ställa upp i en deltävling, men behöver inte nödvändigtvis göra det i sitt ursprungsland. Pump the jam är en annan vida känd streetdance-tävling.

BouncE

När människor tänker på streetdance tänker de ofta på dansgruppen Bounce. Deras föreställningar sänds på tv (de har gjort ett tiotal) och man kan inte låta bli att bli imponerad. BouncE streetdance company startades 1997 i Stockholm. Med den matrix-inspererade showen The score blev de internationellt kända. Bounce är en bidragande faktor till streetdance´ens uppsving i Sverige, vilket de inte bara lyckats med genom sina föreställningar. De anordnar även summercamps sedan 2003 då unga dansare från hela Sverige samlas i Stockholm för att dansa för medlemmarna i gruppen under ett par veckor. Dessutom har dom medverkat i dansdokusoporna Floorfiller och So you think you can dance scandinavia.

Utbildning

Det finns ett fåtal renodlade utbildningar att gå för den som vill studera streetdance på högre nivå i Sverige. På danshögskolan och danscenter i Stockholm, streetutbildningen i Karlstad och på Åsa folkhögskola i Sköldinge. Åsa är den äldsta och mest kända utbildningen och efter ditt år där så är du proffisionell streetdansare. Dock kräver alla utbildningar att du avlägger dansprov och du måste ha dansat innan och ha talang.

Hip Hop association

Det finns föreningar som är till för att främja hiphopkulturen i Sverige och en av dom är det ideella Hip Hop association från Göteborg. Dom vill föra samman ungdomar från alla samhällsgrupper och inspirera dem inom hiphopens alla konstformer. Allt för att föra samman och bygga nätverk för att stärka hiphopkulturen och dom verkar även för att etablera en scenisk plattform i Göteborg där hiphop kan ta steget från gatukultur in mot en scenisk konstform.

De fyra elementen

Hiphop är ett samlingsnamn för vad som kallas ”de fyra elementen”. Dessa är:

Aerosol art. Det kallas lite slarvigt för graffiti –vilket i sig bara är en av de olika konstformer som samlats under namnet aerosol art. Själva ordet kan närmast förklaras som spraycan art. Det började med att man ville bekräfta sin egen existens och sprida sitt namn med korta texter. Efter hand så utvecklade man ett eget formspråk och uttryckssätt med färgen. Många anser idag att det handlar om förstörelse, men det finns regler som de flesta känner till och följer- tex att inte måla på privata hus/väggar.
B-boying. Detta kallas ofta för breakdance-vilket bara är en av de dansstilarna som samlats under ordet B-boying. Ordet kommer ifrån att man kallade dansarna för beat boy eller break boy på klubbarna.
DJ. Själva ordet är en förkortning av discjockey, som alltså var den personen som såg till att spela alla dom bästa skivorna på klubbarna. I början mixade man knappt, ännu mindre scratchade-då handlade det om att plocka fram de svängigaste låtarna. Många DJ´s ångade av etiketterna, eller målade över dom, så att ingen annan skulle kunna spela samma skivor.
MC. Detta är vad vi kallar rap. Ordet MC kommer ifrån Master of ceremony och var den som hjälpte DJ´n att hålla igång festen. Till en början sa han eller hon bara korta fraser i mikrofonen men allteftersom började de utnyttja sin possition och med DJ´ns hjälp gjorde snart MC´n snart egna berättelser över instrumentaler och breaks. Detta ledde till att de som verkligen klarade av att snabbt hitta på rapp-texter, eller kunde memorera hela historier, ändrade acronymen från Master of cermony till Microphone controller. I mitten av 80-talet så kom acronymen för rap att bli ”Rhythm and poetry”.

Elevarbeten i Nutida konst

Nutida konst

Lars Winnerbäck – en protestsångare

Jens Assur – Fotograf

Vad är klassisk balett?

Smycken

Vampyrer och Anne Rice

Megadeth

Underground musik

Om propaganda

Pablo Picasso och kubismen

Kazuraav

Manga

Nutidakonst Metal Artwork och konst

Frijazz och improvisationen

Opeth

Wassily Kandinsky

Popkonsten och Roy Lichtenstein

Surrealism

MY FAIR LADY

THE SIMS

Andy Warhol

Graffiti

Om Modern dans

Happenings och performance

Tatueringskonst

Manga

Johnny Depp

Glaskonst

Afrikansk konst

Ljusdesign

KISS

Streetdance

Hiphopdanser

Kategorier

Sidor